Телефон: 966988696
Местоположение: Украина, г. Томск
E-mail: [email protected]
Описание:
Агентство «Премьера» — лучшие концерты и спектакли страны. Главная особенность нашей компании – активная реализация билетов, что позволяет зрителю не только сохранить время и выбрать наиболее удобное место расположения в зале, но и получить подробную консультацию о предстоящем событии.
Контакты
Контакты не указаны
Отзывы о компании Премьера
комментариев 1 708
Плюсы
не знаю таких)
Минусы
Проходите мимо этой компании! Вся зарплата, которая обещается вам на собеседовании — все обман, платят 6-7 т.руб! Нужно из кожи вон выпрыгнуть, чтобы заработать на процентах что то большее. Крупный проект сразу вам никто не даст! Текучка ужасная, посмотрите хотя бы количество просмотров вакансии. Люди приходят — поработают день-два — неделю — 2 месяца и уходят, поняв, что делать там нечего! На зарплату при этом сильно не рассчитывайте, директор жадный до жути!!! Найдут тысячу и одну причину чтобы не платить. По трудовой устраивать не будут. Если ты будешь приносить доход компании, то они сначала месяца 3-4 на тебя посмотрят, а не понравишься — хлопнут по крышке ноутбука — Пиши заявление на увольнение! Трудовой договор с работниками не подписывают, поэтому даже в суд на них подавать бесполезно! Сложно доказать что ты вообще в компании работал!
Я безумно ЛЮБЛЮ компанию «Премьера». И тем, кто читает негативные отзывы о нас хочу напомнить, что это дело рук тех, кто пробыл здесь максимум час. Но каждый нормальный человек понимает, что за час и даже два нельзя составить объективное мнение… А еще я больше, чем уверенна, что этих людей вообще не было в нашем офисе и «кто-то» за деньги пишет всю эту ерунду. Для того, чтобы убедиться, что я права вам просто надо прийти к нам и все увидеть, а я научу зарабатывать вас от 5 000 рублей в день.
Проходите мимо этой компании! Вся зарплата, которая обещается вам на собеседовании — все обман, платят 6-7 т.руб! Нужно из кожи вон выпрыгнуть, чтобы заработать на процентах что то большее. Крупный проект сразу вам никто не даст! Текучка ужасная, посмотрите хотя бы количество просмотров вакансии. Люди приходят — поработают день-два — неделю — 2 месяца и уходят, поняв, что делать там нечего! На зарплату при этом сильно не рассчитывайте, директор жадный до жути!!! Найдут тысячу и одну причину чтобы не платить. По трудовой устраивать не будут. Если ты будешь приносить доход компании, то они сначала месяца 3-4 на тебя посмотрят, а не понравишься — хлопнут по крышке ноутбука — Пиши заявление на увольнение! Трудовой договор с работниками не подписывают, поэтому даже в суд на них подавать бесполезно! Сложно доказать что ты вообще в компании работал!
В С.-Петербурге перестал работать сайт Премьеры. На прошлой неделе смотрел на сайте какие спектакли будут дальше, с Мая спектакли отсутствовали. Наверное Премьера с Мая закрывается?
Плюсы
ори?с Полидо?р Мари? Берна?р Метерли?нк (фр. Maurice (Mooris) Polydore Marie Bernard Maeterlinck; 29 августа 1862, Гент — 6 мая (по некоторым источникам — 5-го мая) 1949, Ницца) — бельгийский писатель, драматург и философ. Писал на французском языке. Лауреат Нобелевской премии по литературе за 1911. Автор философской пьесы-притчи «Синяя птица», посвященной вечному поиску человеком непреходящего символа счастья и познания бытия — Синей птицы. Произведения Метерлинка отражают попытки души достичь понимания и любви.
Содержание
1 Бельгийский период
2 Метерлинк во Франции
3 Сочинения
3.1 Пьесы
3.2 Философские эссе
3.3 Стихи
3.4 Мемуары
4 Издание сочинений в русском переводе
5 Влияние на современное творчество
6 Литература
7 Примечания
8 Ссылки
Бельгийский период
Морис Метерлинк родился в Бельгии, в семье богатого нотариуса. Семья была франкоговорящей, поэтому Метерлинк позже написал большую часть своих произведений на французском языке. Многие из его первых произведений (в основном, юридические наработки) не сохранились, так как были уничтожены автором, сохранились лишь фрагменты.
В 1883 году на страницах журнала «Jeune Belgique» было опубликовано первое стихотворение Метерлинка. В 1885 году он получил право заниматься адвокатской практикой, окончив юридический факультет Гентского университета. В 1888 году увидел свет изданный за счет средств семьи автора поэтический сборник «Оранжереи», а год спустя была написана «Принцесса Мален» (La Princesse Maleine) — первая пьеса Метерлинка, снискавшая похвалу Октава Мирбо. В 1889 вышел сборник стихов «Теплицы» (Les Serres chaudes), в 1896 — сборник «12 песен» (в 1900 — «15 песен»).
Метерлинк во Франции
С 1896 Метерлинк живёт во Франции, преимущественно в Париже. Здесь он сближается с символистами, которые оказывают на него огромное влияние. Идеализм и символизм нашли отражение в ранних художественных произведениях Метерлинка (книга «Сокровище смиренных», 1896). Известность Метерлинку приносит пьеса-сказка «Принцесса Мален» 1889; одноактные пьесы «Непрошенная», «Слепые», (обе 1890) — пьесы о неудовлетворенности, которая заставляет искать и не находить счастье и любовь в повседневной жизни; драма «Пелеас и Мелисанда», 1892 — символическая драма идеальных влюбленных, которые уничтожают сами себя в поисках совершенства. Критики охарактеризовали это как «драматургия молчания, намёков и недомолвок». Главные темы его творчества — смерть и значение человеческой жизни, место и роль человека в обществе, в истории. В 1902 году увидела свет пьеса «Монна Ванна», в которой появляется тема протеста человека против всевластия рока.
В 1909 г. была поставлена знаменитая «Синяя птица» (1908), в которой герои путешествуют по свету в поисках счастья, а находят его у себя дома. Феномен неудовлетворенности человека и поисков счастья продолжает исследоваться Метерлинком в продолжении феерии «Синяя птица» — пьесе «Обручение» (1918).
В поздних пьесах Метерлинк обращался к библейским, сказочным и историческим сюжетам. Мотив смерти постоянно присутствует в произведениях писателя, а в позднем творчестве нарастает интерес к мистике и оккультизму.
В философских эссе Метерлинк обращается к философии и эстетике символизма. В самых известных философских произведениях «Жизнь пчел» (1901), «Жизнь термитов» (1926) и «Жизнь муравьев» (1930) писатель пытался объяснить жизнь и деятельность человека через аналогии, взятые из наблюдений за природой.
В 1911 году Морис Метерлинк стал лауреатом Нобелевской премии по литературе «за его многостороннюю литературную деятельность и особенно его драматические произведения, отличающиеся богатством воображения и поэтической фантазией».
В 1940 Метерлинк бежал от германской оккупации в США, из-за проблем со здоровьем вернулся во Францию в 1947. Скончался писатель в Ницце 6 мая 1949 года от сердечного приступа.
Сочинения
Пьесы
Принцесса Мален
Слепые (Les Aveugles, 1890).
Непрошенная (L’Intruse, 1891).
Семь принцесс (Les Sept princesses, 1891).
Пелеас и Мелисанда (Pelleas et Melisande, 1893).
Алладина и Паломид (Alladine et Palomides, 1894).
Там внутри (Interieur, 1894).
Смерть Тентажиля (La Mort de Tintagiles, 1894).
Аглавена и Селизетта (Aglavaine et Selysette, 1896).
Ариана и Синяя Борода, или Бесполезное освобождение (Ariane et Barbe-Bleue, 1896).
Сестра Беатриса (S?ur Beatrice, 1900).
Монна Ванна (Monna Vanna, 1902).
Жуазель (Joyzelle, 1903).
«Чудо Святого Антония» (Le Miracle de saint Antoine, 1903).
«Синяя птица» (L’Oiseau bleu, 1908).
Мария Магдалина (Marie-Magdeleine, 1913).
Бургомистр Стильмонда (Le Bourgmestre de Stilmonde, 1919).
Обручение (Les Fiancailles, 1922).
Беда проходит (Le Malheur passe, 1925).
Мария Виктория (Marie-Victoire, 1925).
Могущество мертвых (La puissance des morts, 1926).
Иуда Искариот (Judas de Kerioth, 1929).
Берникель (Berniquel, 1929).
Принцесса Изабелла (La Princess Isabelle, 1935).
Жанна д’Арк (Jeanne d’Arc, 1945).
Философские эссе
Сокровище смиренных (Le Tresor des humbles, 1896).
Мудрость и судьба (La Sagesse et la destinee, 1898).
Жизнь пчел (La Vie des Abeilles, 1901).
Сокровенный храм (Le temple enseveli, 1902).
Двойной сад (Le Double Jardin, 1904).
Разум цветов (L’Intelligence des Fleurs, 1907).
Смерть (La Mort, 1913).
Мелочи войны (Les Debris de la guerre, 1916).
Жизнь термитов (La Vie des Termites, 1926).
Жизнь пространства (La Vie de l’Espace, 1928).
Великая феерия (La Grande Feerie, 1929).
Жизнь муравьев (La Vie des Fourmis, 1930).
Стеклянный паук (L’Araignee de verre, 1932).
Великий закон (La Grande Loi, 1933).
Перед великим молчанием (Avant le grand silence, 1934).
Песочные часы (1936).
Тень крыльев (L’Ombre des ailes, 1936).
Перед лицом Бога (Devant Dieu, 1937).
Широкие врата (1939).
Иной мир, или Солнечные часы (L’Autre Monde ou le cadran stellaire, 1942).
Стихи
Оранжереи (Serres chaudes,1889)
Двенадцать песен (Douze Chansons, 1896)
Пятнадцать песен
(Quinze chansons, 1900)
Мемуары
Голубые пузыри (Счастливые воспоминания, Bulles bleues, 1948). (Отрывки в русском переводе К. О. Рагозиной в «Лавке Языков»
)
Издание сочинений в русском переводе
Сочинения в трех томах. — СПб., 1902—1906.
Полное собрание сочинений в шести томах. — СПб, 1910.
Полное собрание сочинений в четырёх томах (двух книгах). — Пг., 1915.
Пьесы. — М., 1958.
Пьесы. — М., 1972.
Избранные произведения. — М., 1996.
Жуазель. Пьесы. — СПб, 2000.
Тайная жизнь термитов. — СПб, 2002.
Влияние на современное творчество
В «Эвакуаторе» Дмитрия Быкова в предисловии даётся полная версия стихотворения «Пришли и сказали…» из сборника «Пятнадцать Песен» в переводе Ксении Рагозиной, а затем главный герой часто по тексту повторял цитату.
Стихотворение Мориса Метерлинка из сборника «Пятнадцать песен» легло в основу песни «А если бы он» пятого альбома фолк-рок группы «Мельница» «Дикие травы».[1][2]
Марсель Пруст в 4-м томе эпопеи «В поисках утраченного времени», романе «Содом и Гоморра», неоднократно приводит аналогии поведения влюблённых людей с поведением насекомого около цветка, навеянные ему книгой Мориса Метерлинка «Разум цветов».
Один из альбомов группы Белая Гвардия называется «Сказки Метерлинка». В одноимённой песне с альбома имеются отсылки к пьесе «Синяя Птица».
Пьеса Мориса Метерлинка «Слепые» легла в основу одноименной оперы композитора Леры Ауэрбах, поставленной режиссёром Дмитрием Белянушкиным на сцене МАМТ им. К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко в 2012 году в рамках фестиваля «Лаборатория Современной Оперы».
Литература
Минусы
не успеваю потратить заработанные деньги
Плюсы
Госуда?рственный о?рдена Трудово?го Кра?сного Зна?мени академи?ческий теа?тр им. Е. Вахта?нгова — московский драматический театр, существующий с 1921 года. Расположен по адресу: Арбат, дом 26.
13 ноября 1921 года зрители, пришедшие в старинный арбатский особняк на спектакль «Чудо Святого Антония» Мориса Метерлинка в постановке Е. Б. Вахтангова, стали свидетелями рождения нового театра — Третьей Студии Московского Художественного театра, переименованной впоследствии, в 1926 году, в театр имени своего основателя и руководителя — Евгения Вахтангова.
Содержание
1 История
2 Известные вахтанговцы
3 Спектакли
3.1 Постановки прошлых лет
3.2 Текущий репертуар
4 Адрес
5 Примечания
6 Литература
7 Ссылки
История
В конце 1913 года несколько студентов из разных московских учебных заведений решили создать Студенческую драматическую студию и играть по модной тогда системе Станиславского. Но помочь студентам-любителям профессионалы не соглашались. Наконец после долгих уговоров за руководство взялся молодой актёр и режиссёр Художественного театра, ученик К. С. Станиславского Евгений Багратионович Вахтангов. Первой постановкой стала пьеса Бориса Зайцева «Усадьба Ланиных». Репетировали где придётся, в основном на квартирах друг у друга. 26 марта 1914 года состоялась премьера. Спектакль полностью провалился, а руководство МХТ запретило Вахтангову работать с непрофессиональными студийцами. Но запреты оказались бессильны. Новые репетиции стали проводиться потихоньку в квартире в Мансуровском переулке. Позже одна из студиек выберет себе сценический псевдоним по имени этого переулка, с ним и войдет навсегда в историю сценического искусства — Цецилия Львовна Мансурова, легендарная первая исполнительница роли принцессы Турандот — но это будет позже.
Студия стала называться «Московская драматическая студия Е. Б. Вахтангова». 13 сентября 1920 года Студия Вахтангова была принята в семью Художественного театра под именем 3-й студии МХАТ. Первым спектаклем стала постановка пьесы Мориса Метерлинка «Чудо святого Антония». Произошло это событие 13 ноября 1921: режиссёр Евг. Вахтангов, художник Завадский; Антоний — Завадский, Гюстав — Басов, Ашиль — Глазунов, Доктор — Захава, Кюре — Щукин, Жозеф — Симонов, Виржини — Некрасова, гостья — Ремизова, 1-я дама — Львова, м-ль Ортанс — Котлубай и др. Успех постановки был отмечен критикой, в частности журнал «Театральное обозрение», 11 декабря 1921, опубликовал положительный отклик Л. Я. Гуревич[1]. Вскоре студия открыла собственное помещение на Арбате, дом 26, где и находится по сей день.
3-я Студия МХАТ, Москва, 1921 г.
Здание 3-й Студии МХАТа на Арбате в Москве, 1926 г.
Молодая студия искала пьесы, соответствующие новому революционному времени. А время менялось стремительно. На борьбу с постреволюционной разрухой пришёл НЭП. В драматургическую моду стремительно вошли пьесы легких жанров. Кому первому пришла в голову мысль поставить сказку Карло Гоцци «Принцесса Турандот», трудно сказать. Поначалу никто к этому всерьёз не отнесся. При обсуждении пошли шуточки. А для их литературной обработки и придумывания интермедий был приглашен Николай Эрдман. Так, с современными шуточками, и начались репетиции спектакля, которому предстояло стать символом нового театра. Но сам Вахтангов заболел и не смог прийти даже на премьеру. Успех спектакля был оглушительным, превзошедшим все ожидания. Из книги «Театр имени Евг. Вахтангова»:
«В антракте Станиславский взял извозчика и поехал поздравить Вахтангова (тот, отправив своих на спектакль, лежал один в пустой темной квартире). Второй акт задержали в ожидании возвращения Станиславского. После спектакля он снова позвонил Вахтангову, чтобы передать свое восхищение. Это был не просто успех: фурор, ликование, бесконечные овации. Михаил Чехов, вскочив на кресло, провозгласил: „Браво Вахтангову!“ — вызвав в зале бурю восторга. Успех „Принцессы Турандот“ был универсальным: у интеллигентной арбатской публики и студенческой молодежи, у рабочих и нарядно одетых нэпманов — всех закружил и сделал ненадолго счастливыми нехитрый сказочный мотив. Позже вышли духи „Принц Калаф“, на вечеринках повсюду танцевали под вальс „Турандот“ — спектакль знали все. Умирая, он создал спектакль такой невероятной жизненной силы, такой счастливой победительности, что казалось, смерти — не бывает. Вахтангов преодолел ее в искусстве».[2]
29 мая 1922 года вечером Вахтангов умер. 31 мая его гроб ученики и друзья несли на руках от Студии до Новодевичьего кладбища.
В 1922 году, сразу по смерти Вахтангова, актёры избрали свой художественный совет, в который вошли: Юрий Завадский, Борис Захава, Натан Тураев, Ксения Котлубай (ближайшая помощница Вахтангова), Анна Орочко, Иосиф Толчанов, Елизавета Ляуданская, Елена Елагина, Освальд Глазунов и Осип Басов. В. И. Немирович-Данченко назначил директором Третьей студии начинающего одаренного режиссёра Юрия Завадского, но он надолго не задержался. Немирович-Данченко намеревался объединить 2-ю Студию с 3-й, но вахтанговцы отстояли свою самостоятельность: студия стала называться Государственной академической Студией имени Евгения Вахтангова. Именно то огромное желание вахтанговцев быть вместе и не отдать свой театр в чужие руки привела к атмосфере студийности, дружбы, верности друг другу, которая ещё долгие годы существовала в театре Вахтангова.
Стремительно менялось время, революционный пафос менялся на НЭП, затем последовали сталинские годы.
В 1926 году театр обратился к писателю Михаилу Булгакову с просьбой о написании легкого водевиля на современную НЭПовскую тему. Пьеса вскоре появилась — «Зойкина квартира». Но водевильная веселая, казалось бы, безыдейная пьеса скрывала за внешней легкостью серьёзную общественную сатиру, и спектакль был запрещен по решению Наркомата просвещения 17 марта 1929 года с формулировкой: «За искажение советской действительности».
Спектакль «Заговор чувств» по роману «Зависть» Ю. Олеши в постановке Алексея Дмитриевича Попова вызвал острую полемику: нужен ли герой-интеллигент рабоче-крестьянской стране? Но несмотря на это, по театральности, яркости, ритму «Заговор чувств» был признан лучшей постановкой сезона 1928/29 года, а Алексей Попов — лучшим режиссером[3]. Но Попов не был учеником Вахтангова, для вахтанговцев оставался чужаком[источник не указан 679 дней]. И в конце концов, в 1930 году, ему пришлось уйти из театра.
В театре сменялись режиссеры, удачные и не очень спектакли, наметились два основных направления развития театра — легкая праздничность, завещанная Вахтанговым, и серьёзный психологизм.
В 1932 году Николай Акимов вывел на сцену театра совершенно неожиданного, полного эксцентрики и буффонады «Гамлета». Об этом спектакле вспоминал музыкант театрального оркестра Юрий Елагин в своей мемуарной книге «Укрощение искусств»:
«План постановки „Гамлета“ возник у художника и режиссера Николая Павловича Акимова — создателя декораций и одного из режиссеров „Коварства и любви“. План этот был в высшей степени эксцентричным, но Акимов так увлекательно развернул его перед художественным совещанием, что возражать ему было нелегко. … Музыка, которую он [Шостакович] написал к „Гамлету“, была превосходна. При всей ее новизне и оригинальности она гораздо ближе подходила к „Гамлету“ Шекспира, чем что-либо другое в „Гамлете“ Акимова. Но, конечно, были в этой музыке моменты и вполне эксцентрические, вполне в стиле режиссерского замысла. Так, пьяная Офелия на балу (ее играла самая красивая наша актриса Валентина Вагрина) пела веселую песенку с весьма фривольным текстом, в стиле немецких шансонеток начала нашего столетия, под острый и пряный аккомпанемент джаза. Интересно, что в известной сцене с флейтой, Шостакович зло высмеял и советскую власть, и группу пролетарских композиторов, которые как раз в то время были на вершине своего могущества и причиняли немалое зло русской музыке и русским музыкантам. В этой сцене Гамлет прикладывал флейту к нижней части своей спины, а пикколо в оркестре с аккомпанементом контрабаса и барабана фальшиво и пронзительно играло известную советскую песню: „Нас побить, побить хотели…“, сочинения композитора Давиденко, лидера группы пролетарских музыкантов, песню, написанную по случаю победы советских войск над китайцами в 1929 году».[4]
(«Нас побить, побить хотели» — модная в начале 1930-х патриотическая песня на слова Демьяна Бедного и музыку Александра Давиденко, посвящена победе Особой Дальневосточной армии над китайскими милитаристами летом и осенью 1929 г.[5][6])
Спектакль был раскритикован за формализм, но никто за постановку не пострадал. То, за что другие театры закрывались, а режиссеры попадали не просто в немилость, а в тюрьмы, театр Вахтангова лишь журили. Мемуаристы, в том числе Юрий Елагин и Анна Масс, объясняют это тем, что среди почитателей талантов Вахтанговского театра были самые восокопоставленные властители времени: «В двадцатые и тридцатые годы завсегдатаями его были члены правительства, руководящие работники ОГПУ, а потом НКВД. В их числе — Авель Енукидзе, Климент Ворошилов, заместитель начальника ОГПУ Агранов, сам Сталин. Моя мать, актриса театра, вспоминала, что ещё и до середины двадцатых Сталин приходил запросто и садился в шестом ряду партера. Позднее его постоянное место было в правительственной ложе, в углу второго ряда, за широкой спиной телохранителя» — писала в мемуарах «Вахтанговцы, старшее поколение» Анна Масс[7].
В конце 1930-х начались аресты, не избежал их и театр. Неоднократно арестовывался граф Николай Петрович Шереметев, музыкант и оркестрант театра, а также супруг актрисы Цецилии Мансуровой, и коллектив популярных артистов приезжал к высокопоставленным почитателям своих талантов и освобождал графа-оркестранта. Не удалось отстоять актрису Валентину Вагрину, арестованную вслед за мужем и отправленную в ссылку. Потом, уже после войны — не удалось спасти Освальда Глазунова.
Государственная структура требовала постановок, прославляющих советскую власть, на сценах всех театров шла Лениниана — спектакли про вождя революции. В Вахтанговской студии «главным Лениным» стал актёр Борис Щукин. В московских театральных кругах ещё долгие годы рассказывали, как актёры-вахтанговцы были приглашены принять участие в Кремлевском праздничном концерте для Сталина и его свиты, показать сцены из идеологически выдержанного спектакля. За актёрами прислали машину. В неё и сели уже загримированные Рубен Симонов в образе Сталина и Борис Щукин в образе Ленина. Водитель, боясь опоздать, включил скорость. Арбат ещё не был пешеходной улицей, да и машин было в Москве немного. На подступах к Кремлю превысившую скорость машину остановил милиционер. Каков же был его ужас, когда возле водителя он увидел Сталина (Р.Симонов)! Но за ним в автомобиле находился… Ленин (Б.Щукин)! А автомобиль направлялся в Кремль![источник не указан 679 дней]
К тому времени во главе коллективного руководства театром остались двое — Захава и Симонов. В 1939 году художественным руководителем театра был назначен Рубен Николаевич Симонов. Из книги «Театр имени Евг. Вахтангова». 1913—1996:Альбом / Авт.-сост. И. Л. Сергеева,М. Р. Литвин; Авт.текста Д. Н. Годер. М.: Рус.кн., 1996. — 286 c. ISBN 5-268-01332-7:
«Личность руководителя многое определила в дальнейшем пути театра. Необыкновенно яркая и разнообразная одаренность Рубена Симонова, его музыкальность, редкостное чувство ритма, грация, деликатные манеры и притом сложный, с восточными обертонами, характер — все это оказало влияние на несколько поколений вахтанговских артистов. Кто знает, как повернулась бы судьба театра, если бы тогда назначен был не Симонов, а, к примеру, Захава? Был бы путь вахтанговцев ординарнее или ярче? Гадать нет смысла — историю не переделать»[8].
Премьера лермонтовского «Маскарада» в постановке А. Тутышкина была показана накануне войны — 21 июня 1941 г. В одну из первых военных бомбежек в здание театра попала бомба. Среди погибших был актёр театра Василий Куза. Здание было сильно разрушено, уничтожены многие декорации. Жители Арбата ещё долго вспоминали, что по всей улице были раскиданы элементы декораций и реквизита[источник не указан 679 дней]. Осенью пришло разрешение на эвакуацию. Взяли с собой старшекурсников Щукинского училища, официально оформив их как членов семей артистов. Предупредить всех об отъезде не успели — Н. Плотникову пришлось добираться самому. Глазунов (его настоящая фамилия была Глазнек, его считали немцем, хотя он был латыш)[источник не указан 679 дней], тоже не успевший уехать с театром, был вскоре арестован — его обвинили в том, что он ждет прихода немцев[9].
22 октября 1941 года театр был эвакуирован в город Омск, где расположился в здании Омского театра драмы[10].
С ноября 1941 года по август 1943 года на омской сцене три раза в неделю шли спектакли Омского театра, четыре раза — Московского театра им. Евгения Вахтангова.
Тогда же была сформирована и отправилась на фронт фронтовая бригада вахтанговских артистов под руководством А. Орочко, А. Ремизовой и А. Габовича. В феврале 1942 г. по вызову Глав-ПУРККА и Комитета по делам искусств выехала на фронт бригада актёров театра в составе бригадира И. И. Спектора, художественного руководителя А. М. Габовича и артистов И. А. Соловьева, А. К. Граве, А. М. Лебедева, Н. П. Яновского, Н. Н. Мозяйкина, Т. И. Блажиной, В. И. Данчевой, А. М. Данилович, В. И. Васильевой, баяниста А. М. Голубева. В репертуаре был спектакль «Свадебное путешествие» В. Дыховичного и концертная программа. Летом 1942 г. в бригаду влилась группа актёров вахтанговцев из 2-го фронтового театра ВТО (И. К. Липский, В. А. Покровский, Е. А. Фадеева, М. Н. Оболенская, А. Н. Котрелев).[11]. Репертуар фронтовой группы состоял из спектаклей «Свободное путешествие» В. Дыховичного, «Бессмертный» А. Арбузова и А. Гладкова, «Наш корреспондент» И. Меттера и Л. Левина и концертных программ. Фронтовой филиал театра прошёл с действующей армией до самого Берлина, в Москву он вернулся лишь в июне 1945 года. Однако и тут не все обстояло гладко. Нависала угроза вообще не возвращаться в Москву и превратиться в провинциальный заштатный театр[источник не указан 679 дней]. Из интервью с Рубеном Симоновым-младшим, который узнал об этом от своих родных, деда и отца:
Как известно, на Урал были вывезены многие промышленные предприятия. Поэтому на Политбюро был поставлен вопрос о том, что нужно поднимать культуру Сибири и Зауралья. Сталин предложил, поскольку здание разрушено, перевезти театр Вахтангова в Новосибирск. Возразить Иосифу Виссарионовичу Анастас Иванович напрямую не мог. Он сказал: «Да, это очень хорошая идея. Давайте и Третьяковскую галерею туда же». Сталин улыбнулся, погрозил пальцем, и театр Вахтангова вернулся в Москву. Анастас Иванович очень много делал для театра и очень часто туда приезжал.[12]
Вскоре после войны, в августе 1946-го, вышло постановление «О репертуаре драматических театров и мерах по его улучшению», по которому предписывалось ставить идеологически «правильные» спектакли. Легкий, праздничный, комичный стиль вахтанговской школы оказался не разрешенным. Тем не менее на сцене появляются замечательные постановки. Тех, кому удается вернуться живым из сталинских лагерей, Р. Н. Симонов возвращает в театр (Алексей Дикий). После «космополитической кампании» и закрытия Камерного театра в 1949 году Рубен Николаевич Симонов принял в театр Вахтангова Александра Таирова и Алису Коонен.
В хрущевские годы «оттепели» театр возвращается к своему празднично-комедийному стилю. В 1963 году, к 100-летию со дня рождения К. С. Станиславского и 80-летию Е. Б. Вахтангова, Р. Н. Симонов возобновил «Принцессу Турандот» — в той же постановке, но с новыми актёрами. И соответственно, новыми современными шутками. После смерти Рубена Николаевича Симонова в 1968 году театр возгласил его сын Евгений Рубенович Симонов. Но полностью ушла уникальная атмосфера семейности в театре, уже и так к тому времени мало поддерживаемая. Из книги «Театр имени Евг. Вахтангова». 1913—1996:Альбом / Авт.-сост. И. Л. Сергеева,М. Р. Литвин;Авт.текста Д. Н. Годер. -М.: Рус.кн., 1996. — 286 c. ISBN 5-268-01332-7:
«Что-то такое вдохнул Вахтангов в своих учеников, что атмосфера студийности, которую он всегда почитал главной, долго не покидала созданный им театр. Конечно, случалось всякое: ссоры, споры, бурные выяснения отношений на собраниях. Но для тех, кто тут работал, театр был не просто делом — он был их жизнью. И как бы ни относились эти люди друг к другу, любовь к своему театральному дому объединяла всех. На премьерах обязательно дарили всем подарки — даже ученикам школы, впервые вышедшим в массовке. Вместе пешком возвращались после репетиций домой, а жили почти все поблизости, в доме номер 8а по Большому Левшинскому переулку. … Этот уклад ежедневной жизни казался почти патриархальным, но совсем иным, чем, например, долго сохранявшиеся тяжеловатые семейные традиции Малого. Вахтанговцы были людьми своего времени: среди актеров встречалось немало людей образованных, оригинальных, умных, прекрасных ораторов. Женщины как на подбор были очень эффектны — внешности вахтанговцы всегда придавали большое значение. Много лет сохранялась традиция вместе встречать Новый год, хотя у всех давно были свои семьи. Без театра не представляли себе жизни».[13].
Коммунистическая идеология и пропаганда к этому времени заняла основное место в культуре страны, в том числе и театральном искусстве. Театр Вахтангова тоже стал соответствовать идеологической направляющей линии, хотя на сцене постоянно ставились и классические произведения («Антоний и Клеопатра» Шекспира — 1971, «Маленькие трагедии» А. С. Пушкина — 1974), но и их постановки соответствовали временным рамкам. Стремительно падал уровень театра. Идеологически выдержанные спектакли без проблем принимались и утверждались Главлитом и партийными комиссиями, но сами актёры, не стесняясь, открыто иронизировали над своими работами: «Мы потерпели очередную победу».[14] Традиции театра пытался как мог хранить и в то же время ревностно соответствовать государственному и партийному руководству новый главреж, Евгений Рубенович Симонов, но в годы начала Перестройки ему пришлось покинуть свой любимый театр, где он, по сути, вырос. В 1987 году театр возглавил один из ведущих актёров театра Михаил Ульянов и возглавлял до самой смерти в 2007 году. За это время опять был возобновлен (1991 г.) спектакль «Принцесса Турандот» уже в новом составе и с новыми «перестроечными» комментариями; в театре работали много интересных режиссеров, было поставлено много совершенно неожиданных по стилистике спектаклей…
До сих пор каждый спектакль театра предваряет записанный на магнитофон голос М. А. Ульянова: просьба к зрителям выключить мобильные телефоны перед входом в зрительный зал и началом спектакля.
Художественный руководитель театра в настоящее время — Римас Туминас.
Минусы
мой город — СПБ
Плюсы
До XVII века
Основные статьи: Скоморохи, Балаган
Актерские действа известны издавна. Сначала они были связаны с религиозными празднествами или с языческими обрядами.
Но постепенно «эстафета» лицедейства была перенята мирянами. Русские средневековые актёры скоморохи известны с XI столетия. Среди них были музыканты, певцы, танцоры, шутники, дрессировщики диких животных (в первую очередь медведей, Медвежья потеха). Это были нищие люди, не имеющие ни угла, ни пропитания, ни одежды, и заняться таким промыслом их заставляла нужда. Часто они объединялись и вместе ходили по Руси, прося подаяния, за которое и показывали свои таланты. Они стали строить на городских площадях легкие постройки для своего жилья и приема посетителей-зрителей — балаганы. Под балаганные представления выделялись точно установленные сроки — как правило, масленичные и пасхальные гуляния, торговые ярмарки и т. п. И хотя официально: «В России первый балаган был связан с именем Петра I», народные представления на Руси известны издавна.
Из театральных атрибутов скоморохи использовали кукол, маски, раёк, первые музыкальные инструменты — гусли, дудки, и т. д. Однако балаганы ещё долгое время продолжали существовать как места для ярмарочных представлений, да и сами эти шутейные представления на ярмарках, городских и рыночных площадях получили название балаганов. Сюжеты и шутки балаганных выступлений были грубыми, в основном с «физиологическим уклоном» — это были представления для народа, и темы выбирались понятные для самых низких слоёв общества. Поэтому само слово «балаган» со временем приобрело презрительный оттенок и стало значить шумное сборище многих людей с дурным вкусом. Однако не учитывать значение балаганных выступлений в развитии театрального искусства на Руси невозможно.
Это пренебрежительное отношение к балагану установилось в XIX веке, когда и народные гуляния, занимающие весьма заметное место в жизни городского населения России, тем не менее не становились предметом глубокого профессионального исследования. Позже, с начала XX в., появились серьёзные искусствоведческие и культурологические работы, рассматривающие балаган в контексте истории мировой культуры (Абрам Лейферт, Юрий Лотман, Михаил Бахтин и др.). Балаган серьёзно изучался и театральными практиками (Всеволод Мейерхольд, Александр Блок, Алексей Ремизов и др.). Принципиальное отношение к балагану, как и ко всему народному театру, было коренным образом пересмотрено[1].
[править]XVII век
Артамон Матвеев
Первый царский театр в России принадлежал Алексею Михайловичу и просуществовал с 1672 года до 1676 года. Начало его связано с именем боярина Артамона Матвеева, человека весьма образованного и принимавшего западную культуру, который первым и подал идею создания театра по образцу европейского русскому царю, искавшему различные увеселительные мероприятия. Артамон Сергеевич взялся за осуществление собственного предложения, повелев проживавшему в Москве пастору Немецкой слободы Иоганну Готфриду Грегори заняться набором актёрской труппы[2], что тот и исполнил с прилежным старанием. Пастор не только взялся за обучение новоявленных артистов — 64 молодых мужиков и мальчиков-подростков, которых собирал и уговаривал пойти в артисты в различных московских заведениях, но и сочинил пьесу на библейский сюжет о Есфири, спасшей еврейский народ от бесчинств Амана. Пьеса, получившая название «Артаксерксово действо», была написана на родном языке автора — немецком, однако решено было дать спектакль на русском языке.
Для этого собрали всех «толмачей» из Посольского приказа, а текст пьесы разделили на несколько неравнозначных частей и отдали разным переводчикам. Когда всё произведение было переведено, оказалось, что целостности в тексте нет. Начало «Эсфири» было выписано очень тщательно, причём, силлабическим размером стиха, а в середине текста пьеса вдруг сваливалась на прозу.
Возможно, далеко не все переводчики в совершенстве владели немецким языком, а потому текст передавали слишком приблизительно. Но не исключено, что отдельные переводчики перекладывали пьесу так, чтобы максимально приблизить немецкий текст к российским реалиям. Как бы там ни было, сам автор не очень-то настаивал на том, чтобы всё было переведено досконально. В конце концов, какая разница, если пьесу «заказал» сам царь. У него был свой прицел: царю очень хотелось улучшить отношения с Персией, а именно об этой стране шла речь в пьесе[3].
Сначала представление предполагалось в личном доме одного из царских вельмож, однако дело потребовало серьезного подхода, и вскоре в подмосковной резиденции царя, в селе Преображенском было построено настоящее театральное помещение.
17 октября 1672 года прошло открытие долгожданного театра и первое представление. На этом важном событии присутствовали сам царь и все его ближние бояре. В специальной ложе находились царица и её придворные дамы. Представление длилось десять часов, но царь досмотрел всё до конца и остался очень доволен. Когда спектакль был окончен, зрители тут же отправились в баню, так как считали, что после такого «действа» необходимо смыть с себя все грехи. Театр называли в то время «позорищем» (дословно — зрелищем). В 1673 году произошли некоторые изменения. Театр был перенесён в другое помещение, которое находилось над Аптекарской палатой Кремля. Труппа актеров тоже пополнилась'[4].
Как рассказывает дальше в своей статье Юрий Москаленко[3], «до нас дошли сведения даже о гонораре Иоганна Грегори. За первый спектакль, так потешивший царя-батюшку, немецкий пастор получил „40 соболей во 100 рублев, да пару в восемь рублев“. А кроме того, царь пожелал посмотреть в глаза актерам, и все они предстали перед очи государя…», а сам «драматург» взялся за написание нового драматургического произведения:
Уже в следующем, 1673 году, окрыленный Грегори поставил второй спектакль. Он назывался «Комедия из книги Иудифь» или «Олоферново действо», где был уже другой, но все ещё библейский сюжет о еврейской женщине Юдифи, которая пробралась во вражеский стан и отрубила голову ассирийскому военачальнику Олоферну. Справедливости ради следует сказать, что он её потерял ещё до того, как холодное лезвие коснулось кожи. Вот какими словами пытается соблазнить красавицу суровый полководец: «Не зрише ли, прекрасная богиня, яко сила красоты твоея мя уже отчасти преодолевает? Смотрю на тя, но уже и видети не могу. Хощу же говорити, но языком больши прорещи не могу. Хощу, хощу, но не могу же, не тако от вина, яко от силы красоты твоея низпадаю!».[5])
Грегори умер в феврале 1675 года. Руководство придворным театром перешло к его помощнику Юрию Гивнеру, который за короткий период осуществил несколько постановок, в том числе спектакль на историческую тему «Темир-Аксаково действо». В конце 1675 года Гивнера сменил бывший преподаватель Киево-Братской коллегии Степан Чижинский, но его постановки уже не сопровождались прежним успехом. Окончательно театр закрылся со смертью царя Алексея Михайловича, случившейся 29 января 1676 года.
[править]Крепостные театры
П. Б. Шереметев
Явившись на первых порах забавой двора, крепостной театр тогда же получил распространение и среди близко стоявшего ко двору боярства. Уже при Алексее Михайловиче боярин Матвеев устроил в своем доме театр вроде царского. Его примеру последовали боярин Милославский, получивший вследствие этого прозвание «потешного», кн. Як. Одоевский и любимец царевны Софьи кн. В. В. Голицын. Даже одна из приближенных боярынь царевны Софьи, Т. И. Арсеньева, устраивала у себя в доме театральные зрелища, на которых актёрами являлись её барские люди и барские барыни. В Петербурге уже во времена Елизаветы существовали театры в доме гр. Ягужинского и гр. Петра Шереметева. Этот обычай богатых вельмож заводить у себя постоянные домашние театры сохранялся очень долго.
Домашние театры при дворе и у знатных бояр способствовали появлению на сцене женщин (уже в теремах царевны Софии).
К выдающимся русским крепостным актрисам надо отнести и блиставшую в театре графов Шереметевых Прасковью Жемчугову-Ковалеву, бывшую крепостную актрису, ставшую графиней Шереметевой.
Репертуар этих театров составляли, как правило, произведения европейских авторов и музыкантов, в первую очередь французских и итальянских: композиторов Пьера Монсиньи, Андре Гретри, Никколо Пиччини, Джованни Паизиелло, Моцарта, а также литературные драмы французских классицистов (Жан-Жак Руссо, Дени Дидро). Однако уже появлялись и русские авторы. Одна из ролей, в которых блистала Жемчугова — Зельмира в опере «Зельмира и Смелон, или Взятие Измаила» композитора О. А. Козловского, сочиненной на основе сюжета отечественной истории.
[править]Гастрольные иностранные антрепризы
Иноземные гастролеры, приезжая в Россию, несли с собой не только профессиональное мастерство — они становились источниками развития духовной мысли, социального и творческого развития. В России актёрские труппы, как и актёры и музыканты-одиночки, часто обретали вторую родину, нуждающуюся в их творчестве. Итальянские, немецкие и французские труппы широко были распространены в XVII веке.
Петр I уже сам приглашал «иноземщину», понимая значение просвещенных и культурных европейцев для развития России. Театральное дело при высочайшем дворе, заглохшее с кончиной Алексея Михайловича, было возобновлено Петром I. Прежде всего он обратил театр из придворного в народный, для всех «охотных смотрельщиков». Театр был переведён из царских хором на Красную площадь (в то время доступ туда был открыт), где воздвигнута была особая «комедийная храмина».
Пётр желал сделать театр выразителем своих побед, но его немецкие комедианты оказались для этого дела непригодными. Директор Петровского театра Яган Куншт (или, по другим написаниям — Иоганн Кунст) затруднился выполнить заказанную Петром по случаю победы его «триумфальную» комедию, и Пётр должен был обратиться к Заиконоспасской академии, где процветала занесённая из Киева духовная драма и мистерия.
«В 1702 г. Петр Великий отправил бывшего „комедиянта“, венгерца Ягана Сплавского, в Данциг, чтобы навербовать там труппу. Сплавский привез в Москву девять комедиантов под управлением Куншта»[6]. Иоганн Кунст стал первым антрепренёром русского театра.
Иоганн Кунст прибыл в Москву с труппой из девяти человек, приглашенный устроить в Москве театральные представления. По контракту он обязывался «царскому величеству всеми вымыслами потехами угодить и к тому всегда доброму, готовому и должному быти»; за все это Кунст должен был получать по 5000 ефимков в год и из этой суммы сам обязан был удовлетворять своих служащих. Немедленно по прибытии Кунста начата была да Красной площади постройкой «театральная храмина», «а в ней театрум, и хоры, и лавки, и двери, и окна»; «внутри её потолок подбить и кровля покрыта, а снаружи обита тесом». … Кунсту отданы были в научение актерному делу двенадцать русских молодых людей, выбранных из разных приказов; Кунст должен был «их всяким комедиям учить с добрым радением и всяким откровением» В 1705 г. место Кунста заступил Отто Фиршт; у него играли одни и те же пьесы его актеры по-немецки и выученные Кунстом подьячие по-русски.[7]
Пётр был недоволен современным ему репертуаром. По словам Берхгольца, он требовал от актёров пьес, которые имели бы не более трёх действий, не заключали бы в себе никаких любовных интриг и были бы не слишком грустны, не слишком серьёзны, не слишком веселы. Он желал, чтобы пьесы шли на русском языке и потому хотел иметь комедиантов преимущественно из Польши, а не из Германии.
В эпоху Петра театральное дело развивалось также и в провинции. Так, 1705 годом датируются первые упоминания о театральных представлениях в городе Тобольске, где пропагандистом театра выступал местный митрополит Филофей Лещинский.
После смерти Петра Великого и его сестры царевны Натальи Алексеевны, страстной любительницы театра, театральное дело в России стало падать, что объясняется равнодушием к нему придворных сфер в царствование Екатерины I и Петра II: дворцовые спектакли стали весьма редким явлением. В Славяно-греко-латинской академии продолжались представления классических драм, которые получили и дальнейшее развитие, удалившись от схоластического направления прежнего духовного театра.
Примеру Петра I подражали и последующие царственные особы.
Со вступлением на престол императрицы Анны Иоанновны возобновились придворные спектакли, маскарады и прочие увеселения. Пьесы были преимущественно комического содержания: императрица предпочитала «те крестьянские и немецкие комедии, в которых актёры в конце действия непременно колотили друг друга». Петербургское общество не довольствовалось одной итальянской оперой или немецкими комедиантами, выписанными из Лейпцига, а стало пробовать силы на русской комедии и хлопотало об устройстве постоянного театра во дворцовых покоях. Помещение, приспособленное для этой цели, стало носить название «комедии» и находилось в «новом Зимнем Е. И. В. доме».
В дворцовых спектаклях принимала участие вся петербургская знать; особенно смешил Анну Иоанновну своими выходками на сцене Дмитрий Шепелев; исполнителями театральных пьес являлись ещё сыновья Бирона, Воронцовы, Апраксины, гр. Брюсов, Ермаков, Струговщиков и другие; есть основание предполагать, что в придворных спектаклях принимали участие кадеты вновь учреждённого Шляхетного корпуса. С особенной пышностью было поставлено в 1735 году действо о Иосифе. Существовал проект учреждения первого в России театрального училища, представленный балетмейстером Жаном Батистом Ланде; по некоторым сведениям можно думать, что этот проект осуществился.
Много работал в России итальянский композитор Джованни Паизиелло, прибывший в Россию в 1776 г. по приглашению Екатерины II и назначенный ею придворным композитором.
И в XIX веке приветствовалась и продолжалась деятельность иностранных гастролеров, многие из которых оставались в России навсегда, становясь подданными Российской империи. Очень часто их даже переименовывали на русский лад и по русской традиции присваивали отчество: английского антрепренера Майкла Медокса называли Михаилом Егоровичем или Михаилом Георгиевичем, немецкого композитора Фридриха Шольца — Федором Ефимовичем.
Итальянский музыкант Катерино Кавос, приехавший в Россию с труппой под руководством антрепренера Антонио Казасси, вскоре вошедшей в состав императорских театров, стал по сути настоящим родителем русской оперы. Ему принадлежит авторство первых оперных произведений, основанных на русской истории. Его произведения соответствовали стилю opera comique, но в них уже сквозила тема важных исторических вех. Именно Катерино Кавос первым сочинил оперу о подвиге русского крестьянина Ивана Сусанина — конечно, сюжет этого произведения был несколько упрощен и наивен, но надо учитывать специфику времени: красота музыки превалировала над тематикой сюжета, к которому в то время ещё не было должного отношения. И когда через несколько лет появилась одноименная опера Глинки, именно Катерино Кавос, в ущерб собственному творению, принял новое талантливое произведение молодого композитора, открыв ему дорогу. Музыкальный критик Виктор Коршиков написал в статье «Два „Ивана Сусанина“»:
32-летний Глинка отнёс партитуру в Петербургскую оперу, там уже в течение нескольких лет шла опера Катерино Кавоса, а художественный совет театра возглавлял… Катерино Кавос. Который не только согласился принять оперу к постановке, но и сам решил стать её первым дирижером. Кавос был одним из лучших дирижеров и музыкантов своего времени и не увидеть творческого успеха молодого конкурента он не мог. Как Истинный Художник он выбрал то, что считал лучшим. И при этом вовсе не собирался снимать с репертуара и своё произведение. Обе оперы, не мешая друг другу, ставились на одной сцене. Более того, некоторые актёры исполняли одни и те же партии в разных спектаклях.
Имя Катерино Кавоса было долгое время забыто, и память о нём хранили только профессиональные музыканты.
Значительное влияние на развитие российской музыкальной культуры оказал ирландский композитор Джон Филд, воспитавший плеяду русских музыкантов, среди которых Михаил Глинка, А. Верстовский, А. Гурилев, Н. Девитте, Шарль (Карл) Майер, А. И. Дюбюк — французский дворянин, ставший подданным России; а сын Джона Филда Леон Леонов стал знаменитым русским певцом, первым исполнителем партий в операх ученика своего отца Михаила Ивановича Глинки — партии Собинина в «Жизни за царя» и Финна в «Руслан и Людмила».
В России пели великие европейские мастера вокала Луиджи Лаблаш, Камилло Эверарди, ученики которого воспитали в свою очередь плеяду своих учеников-вокалистов, а те — уже своих, которые тоже стали педагогами новых поколений русских певцов; выступали немецкие и французские артисты, балетмейстеры (Шарль Дидло, Морис Петипа) и другие.
Многие труппы иностранных комедиантов, поначалу приезжая в Россию как частные антрепризы, приглашались затем «на казну» — то есть становились придворными, существующими за казенный (царский/императорский) счет.
[править]Императорские театры
В этом разделе не хватает ссылок на источники информации.
Информация должна быть проверяема, иначе она может быть поставлена под сомнение и удалена.
Вы можете отредактировать эту статью, добавив ссылки на авторитетные источники.
Эта отметка установлена 26 мая 2012.
Основная статья: Императорские театры Российской империи
Особое положение среди русских театров занимали Императорские театры, находившиеся в ведении министерства Двора, а также правительственные театры в Варшаве. Начало Императорским театрам, как и официальному существованию театра в России вообще, положено 30 августа 1756 года, когда императрица Елизавета Петровна издала указ об учреждении в Санкт-Петербурге Российского театра, поручив управление театра Сумарокову. Впоследствии в состав придворного театра, кроме русской драматической труппы, вошли балет, камерная и бальная музыка, итальянская опера, французская и немецкая труппы.
[править]XVIII век. Театр при Елизавете Петровне
В царствование Елизаветы Петровны музыкальное и театральное дело очень выросло и стало на ноги. Никогда до тех пор Петербург не представлял такого изобилия и разнообразия зрелищ. Совместно с иностранными труппами стали выступать русские артисты. Так, с 1751 года в Зимнем дворце в составе Петербургской придводной итальянской труппы выступала Елизавета Белоградская, считающаяся первой профессиональной певицей России.
Наряду с иностранными труппами профессиональных артистов и музыкантов образовался театр в Шляхетском корпусе, где в 1749 году впервые поставлена была первая трагедия Сумарокова «Хорев», а в Ярославле организовался первый русский профессиональный театр Фёдора Волкова. В 1752 году по требованию Елизаветы Петровны труппа Волкова прибыла в Петербург, где представила для государыни мистерию св. Димитрия Ростовского. Вскоре труппа вошла в состав образовавшихся по повелению императрицы Императорских театров.
День 30 августа 1756 года вошел в русскую историю как положивший начало структуре Императорских театров России: состоялся указ об учреждении русского театра в Петербурге (ныне Александринский театр). В состав труппы вступили ярославцы — двое Волковы, Дмитревский и Попов. Под структурой Императорских театров стали постепенно как создаваться новые театры, так и объединяться уже существовавшие до того антрепризы.
Согласно Энциклопедии Брокгауза и Евфрона, именно тогда на русскую сцену вышли профессиональные актрисы на исполнение женских ролей, до того женские роли исполнялись мужчинами. Лишь после этого и в крепостных театрах появились женщины — исполнительницы женских ролей: «На публичном театре женские роли впервые стали исполняться женщинами в 1757 году, вслед за учреждением постоянного русского театра. Первыми русскими актрисами были Марья и Ольга Ананьины и Мусина-Пушкина, из которых первая вышла замуж за Григория Волкова, вторая — за Шумского, третья — за Дмитревского. Выдающимися актрисами в XVIII столетии были Михайлова и Троепольская». С другой стороны, отмечается, что женские роли исполнялись актрисами ещё в домашнем театре Софьи Алексеевны.
В Москве русское сценическое искусство началось в 1756 году с открытия театра при Московском университете, который возглавил М. М. Херасков. Но труппа не могла быть постоянной — закончившие учёбу студенты одновременно заканчивали и актерскую деятельность на университетской сцене. В 1757 году в Петербурге открылась итальянская опера известного антрепренера Локателли, в 1759 году он же открыл театр в Москве, который просуществовал недолго — до 1762 г. Екатерина II придавала театру высокое воспитательно-образовательное значение, но это сознание в её время было только теоретическим; на самом деле театр оставался благонравным развлечением, в котором балеты, оперы и драматические представления играли совершенно одинаковую роль. Всё же театр явился в России первым проводником народности
[править]Театр при Екатерине II
При восшествии на престол Екатерины II придворных трупп в Петербурге было три: итальянская оперная, балетная и русская драматическая; в качестве вольной имела разрешение на представления немецкая труппа. В 1762 году была образована французская драматическая труппа. В 1766 году был издан «Стат всем принадлежащим к театру людям». Общая сумма ассигнований на театр достигала 138410 руб., в том числе на русский театр 10500 руб., тогда как на содержание французской труппы было назначено вдвое больше. Театральное ведомство при Екатерине II страдало постоянным дефицитом. В 1783 году впервые были установлены «пробы» (дебюты) для артистов. Тогда же стали давать платные спектакли для публики в городских театрах. Важной мерой была отмена казенной театральной монополии и установление свободы предпринимательства в области зрелищ и увеселений.
Кроме спектаклей постоянных придворных трупп, при дворе Екатерины II показывали довольно часто любительские спектакли в Эрмитажном театре. Большое распространение получили спектакли любителей из лиц высшего общества. В придворных спектаклях нередко принимали участие малолетние: это были в основном пажи, кадеты и воспитанницы вновь учрежденного Новодевичьего (Смольного) монастыря.
В Москве начало театра относится к 1757 году, когда открылась итальянская опера известного Локателли. В 1759 году там был заведён публичный русский театр, но он просуществовал недолго. Особенно оживлено театральное дело в Москве было в 1762 году по случаю коронования Екатерины II. «После первого московского театра при Московском университете постоянно действующая антреприза началась в Москве с открытием в 1766 так называемого Российского театра, который возглавил полковник Н. С. Титов. Для его спектаклей императрица Екатерина II предоставила помещение московского придворного театра — Головинский Оперный дом [в Лефортове]. С 1 марта 1769 Титов отказался от руководства театром, и в июле антреприза перешла к Дж. Бельмонти и Дж. Чинти, которые для спектаклей сняли дом графа Р. И. Воронцова на улице Знаменке (так называемый Знаменский театр).
Во время чумы 1771 года Бельмонти умер, а Чинти исчез, и основным владельцем московской антрепризы стал князь П. В. Урусов, принявший к себе в товарищество в августе 1776 английского антрепренера и механика Михаила Егоровича Медокса. В феврале 1780 Знаменский театр сгорел, и вскоре Урусов вышел из антрепризы, содержателем которой остался один Медокс, построивший Петровский театр. Труппа Петровского театра состояла как из вольных актёров, так и из крепостных; иногда помещики отдавали в наём или продавали целые труппы»[8]. Однако к XIX веку Михаил Егорович Медокс разорился, и все его театральные предприятия перешли в государственную казну.
Наряду с развитием императорских (государевых) театров при Екатерине II значительно увеличивалось количество дворовых крепостных театров в помещичьих усадьбах. При Екатерине II славились театры Румянцева, Волконского; у гр. Шереметева было четыре театра (в Петербурге, Москве и имениях Кусково и Останкино). В 1790-х гг. в Москве насчитывалось около 15 частных театров, при 160 актёрах и актрисах и 226 музыкантах и певчих. При этих домашних театрах были оркестры музыки, оперные и даже балетные труппы из крепостных. Такие помещичьи труппы бывали и в провинции. Так, в конце XVIII столетия особенно славились труппы гр. Волкенштейна близ Суджи (Курской губернии), Сумарокова в Тарусском уезде Калужской губернии, кн. Юсупова в с. Архангельском близ Москвы, кн. Щербатова при с. Утешении Тульской губернии и др. Из провинциальных городов в Харькове постоянный театр был основан в 1812 году, в Воронеже в 1787 году, в Тамбове в 1786 году, в Нижнем Новгороде в 1798 году, в Твери в 1787 году.
Энциклопедический словарь Ф. А. Брокгауза и И. А. Ефрона определяет: «В первый же период истории русского театра на сцене выработалась определенная школа в смысле некоторой преемственности и общности приемов, тона и стиля игры. Эта была школа европейская, точнее — французская. Первыми образцами, которым пришлось следовать первой русской труппе, были иноземные театры тогдашнего Петербурга, в особенности французская труппа Сериньи, состоявшая, по свидетельству современников, из весьма талантливых артистов. Близость этой труппы и репертуар первых лет, состоявший, кроме пьес Сумарокова, из переводов комедий Мольера, Детуша и Реньяра, ещё более обобщил артистическую физиономию обеих трупп, французской и русской»[9]. Во главе художественной части образованного русского театра был поставлен Дмитревский, который усвоил стиль и манеру игры лучших из европейских трагиков того времени и в тех же правилах воспитал целую плеяду современных ему русских актёров. Крутицкий, Гамбуров, Сандунов, Плавильщиков, А. Каратыгин, А. С. Яковлев, Семёнова и другие были талантливыми учениками, последователями и преемниками направления Дмитревского, то есть французской школы сценической игры.
С другой стороны принадлежность значительной части актёров к числу крепостных (ещё в начале XIX столетия Императорская труппа в Москве была сформирована путем скупки помещичьих трупп) не могла содействовать возвышению общественного положения актёров. Попав в императорские театры, крепостные стали освобождаться от крепостной зависимости. Из крепостных вышел и знаменитый артист Михаил Щепкин.
И. А. Дмитревский
Екатерина II придавала театру высокое воспитательно-образовательное значение, но это сознание в её время было только теоретическим; на самом деле театр оставался благонравным развлечением, в котором балеты, оперы и драматические представления играли совершенно одинаковую роль. Всё же театр явился в России первым проводником народности (Лукин, Аблесимов, Фонвизин).
Первой в истории русской драматургии социально-политической комедией стала пьеса Дениса Ивановича Фонвизина «Недоросль», где автор откровенно насмехался над своими персонажами, типичными представителями разных социальных слоев 18 столетия в России: государственными чинами, дворянами, барами-крепостниками, самозваными модными учителями. Не сразу, но пьеса была поставлена на сцене императорских театров: первая постановка комедии прошла в Петербурге в театре на Царицыном лугу 24 сентября 1782 года, а в Москве — 14 мая 1783 года в Большом Петровском театре Медокса. Первым исполнителем роли положительного персонажа комедии — Стародума — стал Иван Афанасьевич Дмитревский.
Минусы
нет
Плюсы
Усто?йчивое разви?тие (англ. sustainable development) — гармоничное (правильное, равномерное, сбалансированное) развитие — это процесс изменений, в котором эксплуатация природных ресурсов, направление инвестиций, ориентация научно-технического развития, развитие личности и институциональные изменения согласованы друг с другом и укрепляют нынешний и будущий потенциал для удовлетворения человеческих потребностей и устремлений.
Во многом речь идёт об обеспечении качества жизни людей.
Социальная составляющая устойчивости развития ориентирована на человека и направлена на сохранение стабильности социальных и культурных систем, в том числе, на сокращение числа разрушительных конфликтов между людьми. Важным аспектом этого подхода является справедливое разделение благ. Желательно также сохранение культурного капитала и многообразия в глобальных масштабах, а также более полное использование практики устойчивого развития, имеющейся в не доминирующих культурах. Для достижения устойчивости развития, современному обществу придется создать более эффективную систему принятия решений, учитывающую исторический опыт и поощряющую плюрализм. Важно достижение не только внутри-, но и межпоколенной справедливости. В рамках концепции человеческого развития человек является не объектом, а субъектом развития. Опираясь на расширение вариантов выбора человека как главную ценность, концепция устойчивого развития подразумевает, что человек должен участвовать в процессах, которые формируют сферу его жизнедеятельности, содействовать принятию и реализации решений, контролировать их исполнение.
Минусы
их нет вообще!!!
Плюсы
Развитие — процесс, направленный на изменение материальных и духовных объектов с целью их усовершенствования.Изменение материи и сознания, их универсальное свойство, всеобщий принцип объяснения истории природы, общества и познания.
Под развитием обычно понимают:
увеличение сложности системы;
улучшение приспособленности к внешним условиям (например, развитие организма);
увеличение масштабов явления (например, развитие вредной привычки, стихийного бедствия);
количественный рост экономики и качественное улучшение её структуры;
социальный прогресс.
Варианты
появление новых элементов
появление новых объектов, дифференциация.
[править]Характеристики
Качественное изменение. Переход от одного состояния к другому (наглядно-действенное, наглядно-образное, абстрактно-логическое).
Необратимость развития. Развитие предполагает стабильность (абсолютное постоянство, стабильность регулярных явлений, сохранение индивидуальных различий).
Специфичность объекта развития (психика и сознание или человек в системе его социальных отношений).
Закономерности
Неравномерность и гетерохронность:
Неравномерность — различные психические функции, свойства и образования развиваются неравномерно.
Гетерохронность — асинхронность фаз развития отдельных органов и функций.
Неустойчивость развития: Развитие всегда проходит через неустойчивые периоды (выражается в кризисах развития)
Сензитивность развития: Сензитивный период развития — период повышенной восприимчивости психических функций к внешним воздействиям
Кумулятивность: Результат развития предшествующей стадии включается в последующую.
Дивергентность-конвергентность
Дивергенция — повышение разнообразия в процессе психического развития
Конвергенция — его свёртывание, усиление избирательности.
Составляющие развития человека
Развитие человека можно условно разделить на три составных части:
физическое развитие (изменение массы тела, роста и т. д.);
социальное развитие (изменение социального статуса);
развитие психических процессов: интеллекта (мышления, внимания, памяти); развитие воли; развитие эмоций.
История понятия
Современному понятию развития предшествуют:
платоническое понятие развития как развёртывания, посредством которого все возможности, с самого начала заложенные в зародыше, постепенно проявляются, приходят из имплицитного существования к эксплицитному
механистическое понятие развития как совершенствования
Составляющие развития человека Развитие человека можно условно разделить на четыре составных части: физическое развитие (изменение массы тела, роста и т. д.); социальное развитие (изменение социального статуса); развитие психических процессов: интеллекта (мышления, внимания, памяти); развитие воли; развитие эмоций; материальное развитие (изменение покупательской способности человека).
Историческое развитие
Историческое развитие является одной из основных проблем философии и методологии истории. Понятие исторического развития следует отличать как от телеологической идеи прогресса, так и от естественнонаучного понятия эволюции.
Минусы
нет
Плюсы
История театра в России
Актерские действа известны издавна. Сначала они были связаны с религиозными празднествами или с языческими обрядами.
Но постепенно «эстафета» лицедейства была перенята мирянами. Русские средневековые актёры скоморохи известны с XI столетия. Среди них были музыканты, певцы, танцоры, шутники, дрессировщики диких животных (в первую очередь медведей, Медвежья потеха). Это были нищие люди, не имеющие ни угла, ни пропитания, ни одежды, и заняться таким промыслом их заставляла нужда. Часто они объединялись и вместе ходили по Руси, прося подаяния, за которое и показывали свои таланты. Они стали строить на городских площадях легкие постройки для своего жилья и приема посетителей-зрителей — балаганы. Под балаганные представления выделялись точно установленные сроки — как правило, масленичные и пасхальные гуляния, торговые ярмарки и т. п. И хотя официально: «В России первый балаган был связан с именем Петра I», народные представления на Руси известны издавна.
Из театральных атрибутов скоморохи использовали кукол, маски, раёк, первые музыкальные инструменты — гусли, дудки, и т. д. Однако балаганы ещё долгое время продолжали существовать как места для ярмарочных представлений, да и сами эти шутейные представления на ярмарках, городских и рыночных площадях получили название балаганов. Сюжеты и шутки балаганных выступлений были грубыми, в основном с «физиологическим уклоном» — это были представления для народа, и темы выбирались понятные для самых низких слоёв общества. Поэтому само слово «балаган» со временем приобрело презрительный оттенок и стало значить шумное сборище многих людей с дурным вкусом. Однако не учитывать значение балаганных выступлений в развитии театрального искусства на Руси невозможно.
Это пренебрежительное отношение к балагану установилось в XIX веке, когда и народные гуляния, занимающие весьма заметное место в жизни городского населения России, тем не менее не становились предметом глубокого профессионального исследования. Позже, с начала XX в., появились серьёзные искусствоведческие и культурологические работы, рассматривающие балаган в контексте истории мировой культуры (Абрам Лейферт, Юрий Лотман, Михаил Бахтин и др.). Балаган серьёзно изучался и театральными практиками (Всеволод Мейерхольд, Александр Блок, Алексей Ремизов и др.). Принципиальное отношение к балагану, как и ко всему народному театру, было коренным образом пересмотрено[1].
[править]XVII век
Артамон Матвеев
Первый царский театр в России принадлежал Алексею Михайловичу и просуществовал с 1672 года до 1676 года. Начало его связано с именем боярина Артамона Матвеева, человека весьма образованного и принимавшего западную культуру, который первым и подал идею создания театра по образцу европейского русскому царю, искавшему различные увеселительные мероприятия. Артамон Сергеевич взялся за осуществление собственного предложения, повелев проживавшему в Москве пастору Немецкой слободы Иоганну Готфриду Грегори заняться набором актёрской труппы[2], что тот и исполнил с прилежным старанием. Пастор не только взялся за обучение новоявленных артистов — 64 молодых мужиков и мальчиков-подростков, которых собирал и уговаривал пойти в артисты в различных московских заведениях, но и сочинил пьесу на библейский сюжет о Есфири, спасшей еврейский народ от бесчинств Амана. Пьеса, получившая название «Артаксерксово действо», была написана на родном языке автора — немецком, однако решено было дать спектакль на русском языке.
Для этого собрали всех «толмачей» из Посольского приказа, а текст пьесы разделили на несколько неравнозначных частей и отдали разным переводчикам. Когда всё произведение было переведено, оказалось, что целостности в тексте нет. Начало «Эсфири» было выписано очень тщательно, причём, силлабическим размером стиха, а в середине текста пьеса вдруг сваливалась на прозу.
Возможно, далеко не все переводчики в совершенстве владели немецким языком, а потому текст передавали слишком приблизительно. Но не исключено, что отдельные переводчики перекладывали пьесу так, чтобы максимально приблизить немецкий текст к российским реалиям. Как бы там ни было, сам автор не очень-то настаивал на том, чтобы всё было переведено досконально. В конце концов, какая разница, если пьесу «заказал» сам царь. У него был свой прицел: царю очень хотелось улучшить отношения с Персией, а именно об этой стране шла речь в пьесе[3].
Сначала представление предполагалось в личном доме одного из царских вельмож, однако дело потребовало серьезного подхода, и вскоре в подмосковной резиденции царя, в селе Преображенском было построено настоящее театральное помещение.
17 октября 1672 года прошло открытие долгожданного театра и первое представление. На этом важном событии присутствовали сам царь и все его ближние бояре. В специальной ложе находились царица и её придворные дамы. Представление длилось десять часов, но царь досмотрел всё до конца и остался очень доволен. Когда спектакль был окончен, зрители тут же отправились в баню, так как считали, что после такого «действа» необходимо смыть с себя все грехи. Театр называли в то время «позорищем» (дословно — зрелищем). В 1673 году произошли некоторые изменения. Театр был перенесён в другое помещение, которое находилось над Аптекарской палатой Кремля. Труппа актеров тоже пополнилась'[4].
Как рассказывает дальше в своей статье Юрий Москаленко[3], «до нас дошли сведения даже о гонораре Иоганна Грегори. За первый спектакль, так потешивший царя-батюшку, немецкий пастор получил „40 соболей во 100 рублев, да пару в восемь рублев“. А кроме того, царь пожелал посмотреть в глаза актерам, и все они предстали перед очи государя…», а сам «драматург» взялся за написание нового драматургического произведения:
Уже в следующем, 1673 году, окрыленный Грегори поставил второй спектакль. Он назывался «Комедия из книги Иудифь» или «Олоферново действо», где был уже другой, но все ещё библейский сюжет о еврейской женщине Юдифи, которая пробралась во вражеский стан и отрубила голову ассирийскому военачальнику Олоферну. Справедливости ради следует сказать, что он её потерял ещё до того, как холодное лезвие коснулось кожи. Вот какими словами пытается соблазнить красавицу суровый полководец: «Не зрише ли, прекрасная богиня, яко сила красоты твоея мя уже отчасти преодолевает? Смотрю на тя, но уже и видети не могу. Хощу же говорити, но языком больши прорещи не могу. Хощу, хощу, но не могу же, не тако от вина, яко от силы красоты твоея низпадаю!».[5])
Грегори умер в феврале 1675 года. Руководство придворным театром перешло к его помощнику Юрию Гивнеру, который за короткий период осуществил несколько постановок, в том числе спектакль на историческую тему «Темир-Аксаково действо». В конце 1675 года Гивнера сменил бывший преподаватель Киево-Братской коллегии Степан Чижинский, но его постановки уже не сопровождались прежним успехом. Окончательно театр закрылся со смертью царя Алексея Михайловича, случившейся 29 января 1676 года.
[править]Крепостные театры
П. Б. Шереметев
Явившись на первых порах забавой двора, крепостной театр тогда же получил распространение и среди близко стоявшего ко двору боярства. Уже при Алексее Михайловиче боярин Матвеев устроил в своем доме театр вроде царского. Его примеру последовали боярин Милославский, получивший вследствие этого прозвание «потешного», кн. Як. Одоевский и любимец царевны Софьи кн. В. В. Голицын. Даже одна из приближенных боярынь царевны Софьи, Т. И. Арсеньева, устраивала у себя в доме театральные зрелища, на которых актёрами являлись её барские люди и барские барыни. В Петербурге уже во времена Елизаветы существовали театры в доме гр. Ягужинского и гр. Петра Шереметева. Этот обычай богатых вельмож заводить у себя постоянные домашние театры сохранялся очень долго.
Домашние театры при дворе и у знатных бояр способствовали появлению на сцене женщин (уже в теремах царевны Софии).
К выдающимся русским крепостным актрисам надо отнести и блиставшую в театре графов Шереметевых Прасковью Жемчугову-Ковалеву, бывшую крепостную актрису, ставшую графиней Шереметевой.
Репертуар этих театров составляли, как правило, произведения европейских авторов и музыкантов, в первую очередь французских и итальянских: композиторов Пьера Монсиньи, Андре Гретри, Никколо Пиччини, Джованни Паизиелло, Моцарта, а также литературные драмы французских классицистов (Жан-Жак Руссо, Дени Дидро). Однако уже появлялись и русские авторы. Одна из ролей, в которых блистала Жемчугова — Зельмира в опере «Зельмира и Смелон, или Взятие Измаила» композитора О. А. Козловского, сочиненной на основе сюжета отечественной истории.
[править]Гастрольные иностранные антрепризы
Иноземные гастролеры, приезжая в Россию, несли с собой не только профессиональное мастерство — они становились источниками развития духовной мысли, социального и творческого развития. В России актёрские труппы, как и актёры и музыканты-одиночки, часто обретали вторую родину, нуждающуюся в их творчестве. Итальянские, немецкие и французские труппы широко были распространены в XVII веке.
Петр I уже сам приглашал «иноземщину», понимая значение просвещенных и культурных европейцев для развития России. Театральное дело при высочайшем дворе, заглохшее с кончиной Алексея Михайловича, было возобновлено Петром I. Прежде всего он обратил театр из придворного в народный, для всех «охотных смотрельщиков». Театр был переведён из царских хором на Красную площадь (в то время доступ туда был открыт), где воздвигнута была особая «комедийная храмина».
Пётр желал сделать театр выразителем своих побед, но его немецкие комедианты оказались для этого дела непригодными. Директор Петровского театра Яган Куншт (или, по другим написаниям — Иоганн Кунст) затруднился выполнить заказанную Петром по случаю победы его «триумфальную» комедию, и Пётр должен был обратиться к Заиконоспасской академии, где процветала занесённая из Киева духовная драма и мистерия.
«В 1702 г. Петр Великий отправил бывшего „комедиянта“, венгерца Ягана Сплавского, в Данциг, чтобы навербовать там труппу. Сплавский привез в Москву девять комедиантов под управлением Куншта»[6]. Иоганн Кунст стал первым антрепренёром русского театра.
Иоганн Кунст прибыл в Москву с труппой из девяти человек, приглашенный устроить в Москве театральные представления. По контракту он обязывался «царскому величеству всеми вымыслами потехами угодить и к тому всегда доброму, готовому и должному быти»; за все это Кунст должен был получать по 5000 ефимков в год и из этой суммы сам обязан был удовлетворять своих служащих. Немедленно по прибытии Кунста начата была да Красной площади постройкой «театральная храмина», «а в ней театрум, и хоры, и лавки, и двери, и окна»; «внутри её потолок подбить и кровля покрыта, а снаружи обита тесом». … Кунсту отданы были в научение актерному делу двенадцать русских молодых людей, выбранных из разных приказов; Кунст должен был «их всяким комедиям учить с добрым радением и всяким откровением» В 1705 г. место Кунста заступил Отто Фиршт; у него играли одни и те же пьесы его актеры по-немецки и выученные Кунстом подьячие по-русски.[7]
Пётр был недоволен современным ему репертуаром. По словам Берхгольца, он требовал от актёров пьес, которые имели бы не более трёх действий, не заключали бы в себе никаких любовных интриг и были бы не слишком грустны, не слишком серьёзны, не слишком веселы. Он желал, чтобы пьесы шли на русском языке и потому хотел иметь комедиантов преимущественно из Польши, а не из Германии.
В эпоху Петра театральное дело развивалось также и в провинции. Так, 1705 годом датируются первые упоминания о театральных представлениях в городе Тобольске, где пропагандистом театра выступал местный митрополит Филофей Лещинский.
После смерти Петра Великого и его сестры царевны Натальи Алексеевны, страстной любительницы театра, театральное дело в России стало падать, что объясняется равнодушием к нему придворных сфер в царствование Екатерины I и Петра II: дворцовые спектакли стали весьма редким явлением. В Славяно-греко-латинской академии продолжались представления классических драм, которые получили и дальнейшее развитие, удалившись от схоластического направления прежнего духовного театра.
Примеру Петра I подражали и последующие царственные особы.
Со вступлением на престол императрицы Анны Иоанновны возобновились придворные спектакли, маскарады и прочие увеселения. Пьесы были преимущественно комического содержания: императрица предпочитала «те крестьянские и немецкие комедии, в которых актёры в конце действия непременно колотили друг друга». Петербургское общество не довольствовалось одной итальянской оперой или немецкими комедиантами, выписанными из Лейпцига, а стало пробовать силы на русской комедии и хлопотало об устройстве постоянного театра во дворцовых покоях. Помещение, приспособленное для этой цели, стало носить название «комедии» и находилось в «новом Зимнем Е. И. В. доме».
В дворцовых спектаклях принимала участие вся петербургская знать; особенно смешил Анну Иоанновну своими выходками на сцене Дмитрий Шепелев; исполнителями театральных пьес являлись ещё сыновья Бирона, Воронцовы, Апраксины, гр. Брюсов, Ермаков, Струговщиков и другие; есть основание предполагать, что в придворных спектаклях принимали участие кадеты вновь учреждённого Шляхетного корпуса. С особенной пышностью было поставлено в 1735 году действо о Иосифе. Существовал проект учреждения первого в России театрального училища, представленный балетмейстером Жаном Батистом Ланде; по некоторым сведениям можно думать, что этот проект осуществился.
Много работал в России итальянский композитор Джованни Паизиелло, прибывший в Россию в 1776 г. по приглашению Екатерины II и назначенный ею придворным композитором.
И в XIX веке приветствовалась и продолжалась деятельность иностранных гастролеров, многие из которых оставались в России навсегда, становясь подданными Российской империи. Очень часто их даже переименовывали на русский лад и по русской традиции присваивали отчество: английского антрепренера Майкла Медокса называли Михаилом Егоровичем или Михаилом Георгиевичем, немецкого композитора Фридриха Шольца — Федором Ефимовичем.
Итальянский музыкант Катерино Кавос, приехавший в Россию с труппой под руководством антрепренера Антонио Казасси, вскоре вошедшей в состав императорских театров, стал по сути настоящим родителем русской оперы. Ему принадлежит авторство первых оперных произведений, основанных на русской истории. Его произведения соответствовали стилю opera comique, но в них уже сквозила тема важных исторических вех. Именно Катерино Кавос первым сочинил оперу о подвиге русского крестьянина Ивана Сусанина — конечно, сюжет этого произведения был несколько упрощен и наивен, но надо учитывать специфику времени: красота музыки превалировала над тематикой сюжета, к которому в то время ещё не было должного отношения. И когда через несколько лет появилась одноименная опера Глинки, именно Катерино Кавос, в ущерб собственному творению, принял новое талантливое произведение молодого композитора, открыв ему дорогу. Музыкальный критик Виктор Коршиков написал в статье «Два „Ивана Сусанина“»:
32-летний Глинка отнёс партитуру в Петербургскую оперу, там уже в течение нескольких лет шла опера Катерино Кавоса, а художественный совет театра возглавлял… Катерино Кавос. Который не только согласился принять оперу к постановке, но и сам решил стать её первым дирижером. Кавос был одним из лучших дирижеров и музыкантов своего времени и не увидеть творческого успеха молодого конкурента он не мог. Как Истинный Художник он выбрал то, что считал лучшим. И при этом вовсе не собирался снимать с репертуара и своё произведение. Обе оперы, не мешая друг другу, ставились на одной сцене. Более того, некоторые актёры исполняли одни и те же партии в разных спектаклях.
Имя Катерино Кавоса было долгое время забыто, и память о нём хранили только профессиональные музыканты.
Значительное влияние на развитие российской музыкальной культуры оказал ирландский композитор Джон Филд, воспитавший плеяду русских музыкантов, среди которых Михаил Глинка, А. Верстовский, А. Гурилев, Н. Девитте, Шарль (Карл) Майер, А. И. Дюбюк — французский дворянин, ставший подданным России; а сын Джона Филда Леон Леонов стал знаменитым русским певцом, первым исполнителем партий в операх ученика своего отца Михаила Ивановича Глинки — партии Собинина в «Жизни за царя» и Финна в «Руслан и Людмила».
В России пели великие европейские мастера вокала Луиджи Лаблаш, Камилло Эверарди, ученики которого воспитали в свою очередь плеяду своих учеников-вокалистов, а те — уже своих, которые тоже стали педагогами новых поколений русских певцов; выступали немецкие и французские артисты, балетмейстеры (Шарль Дидло, Морис Петипа) и другие.
Многие труппы иностранных комедиантов, поначалу приезжая в Россию как частные антрепризы, приглашались затем «на казну» — то есть становились придворными, существующими за казенный (царский/императорский) счет.
Минусы
нет
Плюсы
С 18 и особенно со 2-й половины 19 веков гастрольной деятельностью (как у себя в стране, так и за границей) занимались крупнейшие актёры — Сара Бернар, Элеонора Дузе, Томмазо Сальвини, Павел Николаевич Орленев, Вера Фёдоровна Комиссаржевская, Энрико Карузо, Аделина Патти , Фёдор Иванович Шаляпин и многие другие. В конце 19 и в 20 веков стали практиковаться выездные спектакли театров с основным составом исполнителей, в полном декорационном оформлении. Большое значение для развития мировой театральной культуры имели гастроли Мейнингенского театра, т. н. Русские сезоны за границей Сергея Павловича Дягилева (в них принимали участие Анна Павлова, Екатерина Гельцер, Михаил Фокин), гастроли Московского Художественного театра.
В советское время получила развитие система показа лучших спектаклей во время фестивалей, смотров, олимпиад и т. д. Советские артисты широко гастролируют за рубежом. Всемирное признание заслужили выступления Ансамбля народного танца СССР под руководством Игоря Александровича Моисеева, Краснознаменного ансамбля песни и пляски Советской Армии, хореографического ансамбля «Березка», многочисленных цирковых коллективов, гастроли Большого театра, МХАТа и др. В СССР систематически гастролировали лучшие театры мира («Комеди Франсэз», «Берлинер ансамбль», «Ла Скала», Королевский шекспировский театр и других), выдающиеся зарубежные артисты.
Минусы
нет
Плюсы
Предпринима?тельство, предпринимательская деятельность — самостоятельная, осуществляемая на свой риск экономическая деятельность, направленная на систематическое получение прибыли от пользования имуществом и/или нематериальными активами, продажи товаров, выполнения работ или оказания услуг лицами, зарегистрированными в этом качестве в установленном законом порядке[1]. Бизнес (англ. business — «дело», «предприятие») — деятельность, направленная на получение прибыли; любой вид деятельности, приносящий доход или иные личные выгоды[2]. В русском языке слова предпринимательство и бизнес синонимичны[3][4]. Предпринимательство, бизнес — важнейший атрибут рыночной экономики, пронизывающий все её институты.
Может осуществляться юридическим лицом или непосредственно физическим лицом. Во многих странах для ведения предпринимательской деятельности физическому лицу требуется регистрироваться в качестве индивидуального предпринимателя.
Предпринимательством можно заниматься в разных сферах. Помимо общего предпринимательства, выделяют социальное и технологическое предпринимательство.
Эффективность предпринимательской деятельности может оцениваться не только размерами полученной прибыли, но и изменением стоимости бизнеса (рыночной стоимости предприятия, гудвилла).
Минусы
риски компенсируются доходами
Плюсы
Понятие личностного роста в тренинговой практике
В современной тренинговой практике понятие «личностный рост» связано в первую очередь с тренингами личностного роста и имеет свои особенности.
Определение формулируется в прикладном ключе, согласно которому личностный рост — это качественные изменения личностного потенциала, успешно решающие жизненные задачи и открывающие богатую жизненную перспективу. В. Леви, в частности, писал об этом так:
Что такое личностный рост? Если у человека становится больше:
интересов, а с тем и стимулов жить — смыслового наполнения жизни,
возможности анализировать — отличать одно от другого,
возможности синтезировать — видеть связи событий и явлений,
понимания людей (себя в том числе), а с тем и возможности прощать,
внутренней свободы и независимости,
ответственности, взятой на себя добровольно,
любви к миру и людям (к себе в том числе),
то это и значит, что человек растет личностно. Синонимы: душевно, духовно. (В. Леви из книги «Куда жить. Человек в цепях свободы.»)
Личностный рост и здоровье
Понятие «Личностный рост» имеет отношение только к здоровой личности [источник не указан 332 дня]. Позитивные изменения в нездоровой личности — в строгом смысле выздоровление, а не личностный рост. Это психотерапевтическая работа, а не тренинги личностного роста. Однако в тех случаях, когда психотерапия убирает барьеры на пути личностного роста, она на эту цель работает также.
[править]Личностный рост и личностное развитие
Тренинги обычно рекламируют себя как то, что «дает быстрый эффект», но нормальный рост всегда медленный и постепенный[источник не указан 332 дня], главное требование к росту — не скорость[источник не указан 332 дня], а правильность роста: «рост в нужном направлении».
На тренингах можно стимулировать личностный рост, но скорость всегда будет задаваться внутренними возможностями личности, а не усилиями тренера.
Описывая существующую тренинговую практику, точнее и правильнее было бы говорить не о тренингах личностного роста, а о тренингах личностного развития.
Тренинги конкретных навыков и тренинги личностного роста
Тренинг, развивающий узкие, конкретные навыки (печатание на клавиатуре вслепую, вождение машины, правильную раскладку товаров), является обычным навыковым тренингом, но не тренингом личностного роста.
[править]Тренинги личностного роста и проработка проблем прошлого
Как было замечено исследованиями специалистов[кем?], есть проблемы которые если не решать, то личность не будет развиваться, а следовательно и качество жизни будет ниже чем могло бы быть если бы человек устранил это проблемы. Есть тренинги, которые учат ‘как перепрыгнуть’ данные проблемы. И это эффективно, но не на долго[источник не указан 332 дня]. Что бы достигнуть долгосрочного, постоянного результата перемен, чтобы процесс личностного роста достиг максимума — необходимо разбираться с проблемами прошлого[источник не указан 332 дня]. Именно заблокированные болезненные чувства, оставшиеся после пережитых в прошлом травм, насилия, депривации — мешают реализоваться нашему потенциалу,стать тем, кем были задуманы. Не проработанные болезненные чувства лишают человека наслаждения жизнью, заставляют держаться в обиде и/или в открытой агрессии, приводят к зависимостям, таким как алкоголизм, наркомания, игромания, сексоголизм и другие. Решение данной проблемы заключается в проработке травм прошлого
Минусы
не существуют
Плюсы
Личностный рост — это развитие составляющих индивида как носителя общественных отношений: способностей, темперамента, характера, задатков, воли, направленности.
«Личностный рост» — понятие психологии, изначально было сформулировано в рамках гуманистической концепции К. Роджерса и А. Маслоу[источник не указан 332 дня], однако в настоящее время широко используется и другими психологическими направлениями. Представление о личностном росте основывается на позитивном видении изначальной природы человека и возможности развития внутреннего потенциала. Однако далеко не все современные психологические концепции исходят из наличия у человека доброй, конструктивной и саморазвивающейся сущности, и по представлению о сущностной природе и потенциале человека эти концепции достаточно четко разделяются на четыре группы:
Безусловно позитивная Помощь в актуализации Концепции К. Роджерса, А. Маслоу
Условно позитивная Помощь в выборе Экзистенциальный подход В. Франкла, Дж. Бюджентала
Нейтральная Формирование, коррекция Бихевиоризм, большинство подходов в советской психологии
Повреждённая Исправление, компенсация Классический фрейдизм, представители ортодоксальной православной психологии.
К группе «доверяющих» (оптимистов) с самой радикальной точкой зрения, утверждающей безусловно-позитивную, добрую и конструктивную сущность человека, заложенную в виде потенциала, который раскрывается при соответствующих условиях, относятся представители школы К. Роджерса и А. Маслоу[1]. В данном подходе личностный рост естественен[2], хотя может быть заторможен в случае негативного окружения и поддержан окружением позитивным[3].
Экзистенциальный подход В. Франкла и Дж. Бюджентала придерживается более осторожного взгляда на человека, который исходит из того, что изначально человек не обладает сущностью, но обретает ее в результате самосозидания, причем позитивная актуализация не гарантирована, но является результатом собственного свободного и ответственного выбора человека.
Достаточно распространена позиция (бихевиоризм и большинство подходов в советской психологии), согласно которой у человека природной сущности нет, он изначально представляет собой нейтральный объект формирующих внешних влияний, от которых и зависит обретаемая человеком «сущность». В данном подходе о личностном росте в точном смысле говорить затруднительно, можно говорить скорее о возможности личностного развития.
Согласно взглядам христианской антропологии природа человеческого естества после грехопадения Адама находится в извращенном состоянии, а его «самость» есть не личностный потенциал, но преграда между человеком и Богом, а также и между людьми[4]. Христианский идеал человека простого, смиренного и целомудренного бесконечно далек от гуманистического идеала успешно адаптирующейся в этом мире самореализующейся, самодостаточной личности, наслаждающейся актуальным моментом, верящей в «могущество человеческих возможностей». По православному учению, человеческая душа не только стремится к высшему, но и подвержена наклонности ко греху, которая лежит не на периферии духовной жизни, но поражает самую её глубину, извращая все движения духа[5].
В НЛП понятие «личностный рост» не используется, поскольку этот подход только моделирует успешные технологии и принципиально отказывается решать вопросы «что в природе человека есть на самом деле».
Минусы
нет
Плюсы
Театральное здание классической Греции — устойчивый тип театрального здания, появившийся в Афинах в VI веке до н. э. и распространившийся в городах античного мира в V-IV веках до н. э. Представляло собой круглую арену (орхестру), к которой примыкали расположенные полукругом зрительские места.
Содержание
1 Орхестра
2 Театрон (места для зрителей)
3 Скена
4 Проскений
5 Пароды
6 См. также
7 Примечания
Орхестра
Основная статья: Орхестра
Первая орхестра (букв. «место для плясок») появилась в VI веке до н. э. в Афинах и предназначалась для представления дифирамбов — сценических гимнов в честь бога Диониса. Она располагалась при склоне Акрополя над храмом Диониса (то есть там, где вскоре будет построен Театр Диониса) и представляла собой круглую площадку. Зрители располагались прямо на склонах холма. В середине орхестры возвышалась обязательная фимела — алтарь Дионису (впоследствии — обязательная принадлежность любого театрального здания даже тогда, когда посторонние сюжеты окончательно вытеснили дионисийский репертуар из греческого театра). На ступенях алтаря во время исполнения трагедии стоял авлет (флейстист, игравший на флейте-авлосе — инструменте, который в представлении греков связывался с дионисийским культом), а также — первоначально — актёр-протагонист (исполнитель главной, первоначально — единственной роли в пьесе).
Театрон (места для зрителей)
На склоне холма полукругом располагались места для зрителей, сначала — только для архонтов, различных чиновников и жрецов, потом и для всех остальных. Зрительные места назывались «театрон» (букв. «место для зрелищ»). В V веке в Афинах и других городах строят деревянные сиденья для зрителей, позже сиденья становятся каменными. Они разрезались лучевыми проходами, делящими зрительный зал на секции-клинья. С IV века, начиная с театра в Эпидавре (архитектор — Поликлет Младший), проходом могут разделяться группы передних и задних рядов сидений (то есть зрительный зал разделяется на нечто подобное современному партеру и, собственно, амфитеатр в современном понимании). Обычно в театроне первые — почётные — места со спинками и балдахином (этот ряд именовался проэдрия) предназначались для знати, жрецов, послов других государств и отличившихся своими заслугами перед родным городом (в театре Диониса было 67 мраморных кресел в первом ряду), остальные — без спинок и на открытом солнце — для остальных зрителей. Число мест в 14 тысяч стало каноническим; в театре помещались все жители города.
Скена
В V веке сам принцип строительства театрального здания постепенно усложняется. За орхестрой, напротив театрона повсеместно появляется задняя палатка-скена для переодевания актёров, которая позже превращается в достаточно сложную архитектурную конструкцию. Первоначально она располагается на расстоянии от орхестры, потом примыкает к ней по касательной, а в самых поздних зданиях срезает передней прямой часть круга. Сооружение первой скены приписывается Эсхилу.
С V века скена ограничивается по бокам башнями-параскениями, усиливавшими резонанс и улучшающими акустику амфитеатра.
С конца XIX века ведутся споры о существовании в V—IV веках между орхестрой и скеной специальной низкой сцены (в современном понимании) для актёров, ограниченной с боков теми же параскениями. В современной театроведческой и археологической науке господствует мнение, что такой сцены в классический период не существовало.
Проскений
Проскений (от греч. proskenion — место перед сценой) — передний фасад скены, служил для крепления декораций, изобретённых, по античным свидетельствам, Софоклом. Декорации рисовались на досках и полотнах и крепились между колоннами проскения; проскений мог и отступать от скены и тогда представлял собой дополнительную сменную стенку перед задней палаткой.
В Классической Греции представлял собой деревянный фасад скены или особую декоративную стенку, сооруженную перед ней. В трагедии действие часто происходило перед дворцом или храмом, поэтому проскений обычно представлял собой их переднюю часть, например крытую колоннаду. В комедии — фасад жилого дома. В театре эпохи эллинизма (4—1 вв. до н. э.) проскений стал каменной пристройкой к скене (в виде колоннады или портика) с плоской деревянной крышей. На эту крышу была перенесена часть представления, поэтому слово «проскений» (или «логейон») стало обозначать не только пристройку, но и саму сценическую площадку[1].
Пароды
Между параскениями и боковыми сиденьями театрона располагались проходы-пароды; через них могли проходить зрители, когда в начале представления занимали свои места; во время же представления через эти проходы входили актёры и хор. Если актёры заходили через левый парод, то считалось, что герой прибыл из дальней страны; тот же, кто приходил из ближних мест, входил через парод справа.
Минусы
это не партер
Плюсы
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Перейти к: навигация, поиск
У этого термина существуют и другие значения, см. Партер.
Вид на партер и оркестровую яму
Парте?р (фр. parterre — на земле) — нижний этаж зрительного зала в театре с местами для публики в пространстве от сцены или от оркестра до противоположной стены или до амфитеатра.
Родоначальником партера была скамья для сенаторов в театрах Древнего Рима. В XVII веке, после появления ярусного театрального здания, видоизменился и партер, приняв более современный вид. Партер предназначался для низшего сословия, поэтому долгое время не имел сидячих мест — зрителям партера приходилось смотреть спектакль стоя. Места для сидения в партере появились в начале XVII века в частных закрытых театрах Англии. Тогда сидячие места расставлялись по мере надобности. Стационарные ряды впервые были спроектированы архитектором Клодом Леду для театра в Безансоне.
В настоящее время места чаще всего располагаются рядами, которые повышаются от сцены к амфитеатру и параллельны краю сцены. Места разделены проходами для выхода из партера.
Минусы
партер есть партер
Плюсы
За пять лет от курьера до ТОП-МЕНЕДЖЕРА КОМПАНИИ!!!!!!!!! ЗАРАБОТОК__—- ОТ КУРЬЕРСКИХ 800 РУБЛЕЙ В ДЕНЬ ДО 50 ТЫСЯЧ ДОЛЛАРОВ В МЕСЯЦ!!!!!! ГОЛОВОКРУЖИТЕЛЬНЫЙ ПУТЬ ОТ МЕТРО—— ДО BMW-745 ( 4 и 5 объем , 400!!!!!! лошадей!!!!) ОТ НЕУВЕРЕННОГО ПЕРВОГО ПОСЕЩЕНИЯ КЛИЕНТА —— ДО СЕМИНАРОВ НА АУДИТОРИЮ 1000 ЧЕЛОВЕК!!!!!! ОТ ПЕРВЫХ ЗВОНКОВ ПОСТОЯННЫМ КЛИЕНТАМ ИЗ ТЕЛЕФОННОЙ БУДКИ——- ДО СОБСТВЕННОГО ОФИСА 250 КВ !!!!!!!!! ПУТЬ ОТ ПЛАСТМАССОВОГО СТАКАНЧИКА С КОФЕ УТРОМ У МЕТРО ——ДО СОБСТВЕННОГО КАБИНЕТА С ИТАЛЬЯНСКИМ КРЕСЛОМ Ferrari, моно блоком iMac и личным секретарем (90-60-90)!!! Лично мне наплевать что здесь пишут люди у которых нет будущего!!!!! Всем этим людям я хочу пожелать только любви и доброты!!!!!!! Этих ЛЮДЕЙ СПАСУТ ТОЛЬКО ДВЕ ЭТИ ВЕЧНЫЕ ЦЕННОСТИ!!!!! (только любовь и доброта могут спасти человека, которому судьба подбросила миссию, в его пустой жизни, ‘ ПОЛИВАТЬ ГРЯЗЬЮ’ ЗА ГЛАЗА!!!!!! ДОМА!!!!! ВТИХАРЯ!!!!!!!! ЧЕРЕЗ ИНТЕРНЕТ!!!!!!! ЧТОБ НЕ УЗНАЛИ!!!!!! КАК МЫШЬ !!!!!!!!!!!!) А МОЙ ПУТЬ ТОЛЬКО НАЧИНАЕТСЯ!!!! СВЕРХ- ПРОДАЖИ, ЛИЧНАЯ ЕЖЕДНЕВНАЯ МОТИВАЦИЯ,МОТИВАЦИЯ КОМАНДЫ, СКОРОСТЬ,НОВЫЕ КЛИЕНТЫ, НОВЫЕ СТРАТЕГИЧЕСКИЕ ЗАДАЧИ, НОВЫЕ СПЕКТАКЛИ!!!!!!!!! А ЛЮДИ ПУСТЬ ПИШУТ!!! МИССИЯ ТАКАЯ—— П И С А Т Ь!!!!! ПРИЗВАНИЕ ПО ЖИЗНИ……………….. КЛЯУЗНИЧЕСТВО !!!!!!!!
Минусы
зри в корень
Плюсы
За пять лет от курьера до ТОП-МЕНЕДЖЕРА КОМПАНИИ!!!!!!!!! ЗАРАБОТОК__—- ОТ КУРЬЕРСКИХ 800 РУБЛЕЙ В ДЕНЬ ДО 50 ТЫСЯЧ ДОЛЛАРОВ В МЕСЯЦ!!!!!! ГОЛОВОКРУЖИТЕЛЬНЫЙ ПУТЬ ОТ МЕТРО—— ДО BMW-745 ( 4 и 5 объем , 400!!!!!! лошадей!!!!) ОТ НЕУВЕРЕННОГО ПЕРВОГО ПОСЕЩЕНИЯ КЛИЕНТА —— ДО СЕМИНАРОВ НА АУДИТОРИЮ 1000 ЧЕЛОВЕК!!!!!! ОТ ПЕРВЫХ ЗВОНКОВ ПОСТОЯННЫМ КЛИЕНТАМ ИЗ ТЕЛЕФОННОЙ БУДКИ——- ДО СОБСТВЕННОГО ОФИСА 250 КВ !!!!!!!!! ПУТЬ ОТ ПЛАСТМАССОВОГО СТАКАНЧИКА С КОФЕ УТРОМ У МЕТРО ——ДО СОБСТВЕННОГО КАБИНЕТА С ИТАЛЬЯНСКИМ КРЕСЛОМ Ferrari, моно блоком iMac и личным секретарем (90-60-90)!!! Лично мне наплевать что здесь пишут люди у которых нет будущего!!!!! Всем этим людям я хочу пожелать только любви и доброты!!!!!!! Этих ЛЮДЕЙ СПАСУТ ТОЛЬКО ДВЕ ЭТИ ВЕЧНЫЕ ЦЕННОСТИ!!!!! (только любовь и доброта могут спасти человека, которому судьба подбросила миссию, в его пустой жизни, ‘ ПОЛИВАТЬ ГРЯЗЬЮ’ ЗА ГЛАЗА!!!!!! ДОМА!!!!! ВТИХАРЯ!!!!!!!! ЧЕРЕЗ ИНТЕРНЕТ!!!!!!! ЧТОБ НЕ УЗНАЛИ!!!!!! КАК МЫШЬ !!!!!!!!!!!!) А МОЙ ПУТЬ ТОЛЬКО НАЧИНАЕТСЯ!!!! СВЕРХ- ПРОДАЖИ, ЛИЧНАЯ ЕЖЕДНЕВНАЯ МОТИВАЦИЯ,МОТИВАЦИЯ КОМАНДЫ, СКОРОСТЬ,НОВЫЕ КЛИЕНТЫ, НОВЫЕ СТРАТЕГИЧЕСКИЕ ЗАДАЧИ, НОВЫЕ СПЕКТАКЛИ!!!!!!!!! А ЛЮДИ ПУСТЬ ПИШУТ!!! МИССИЯ ТАКАЯ—— П И С А Т Ь!!!!! ПРИЗВАНИЕ ПО ЖИЗНИ……………….. КЛЯУЗНИЧЕСТВО !!!!!!!!
Минусы
добавить,,,,,????????
За пять лет от курьера до ТОП-МЕНЕДЖЕРА КОМПАНИИ!!!!!!!!! ЗАРАБОТОК__— ОТ КУРЬЕРСКИХ 800 РУБЛЕЙ В ДЕНЬ ДО 50 ТЫСЯЧ ДОЛЛАРОВ В МЕСЯЦ!!!!!! ГОЛОВОКРУЖИТЕЛЬНЫЙ ПУТЬ ОТ МЕТРО— ДО BMW-745 ( 4 и 5 объем , 400!!!!!! лошадей!!!!) ОТ НЕУВЕРЕННОГО ПЕРВОГО ПОСЕЩЕНИЯ КЛИЕНТА — ДО СЕМИНАРОВ НА АУДИТОРИЮ 1000 ЧЕЛОВЕК!!!!!! ОТ ПЕРВЫХ ЗВОНКОВ ПОСТОЯННЫМ КЛИЕНТАМ ИЗ ТЕЛЕФОННОЙ БУДКИ— ДО СОБСТВЕННОГО ОФИСА 250 КВ !!!!!!!!! ПУТЬ ОТ ПЛАСТМАССОВОГО СТАКАНЧИКА С КОФЕ УТРОМ У МЕТРО —ДО СОБСТВЕННОГО КАБИНЕТА С ИТАЛЬЯНСКИМ КРЕСЛОМ Ferrari, моно блоком iMac и личным секретарем (90-60-90)!!! Лично мне наплевать что здесь пишут люди у которых нет будущего!!!!! Всем этим людям я хочу пожелать только любви и доброты!!!!!!! Этих ЛЮДЕЙ СПАСУТ ТОЛЬКО ДВЕ ЭТИ ВЕЧНЫЕ ЦЕННОСТИ!!!!! (только любовь и доброта могут спасти человека, которому судьба подбросила миссию, в его пустой жизни, » ПОЛИВАТЬ ГРЯЗЬЮ» ЗА ГЛАЗА!!!!!! ДОМА!!!!! ВТИХАРЯ!!!!!!!! ЧЕРЕЗ ИНТЕРНЕТ!!!!!!! ЧТОБ НЕ УЗНАЛИ!!!!!! КАК МЫШЬ !!!!!!!!!!!!) А МОЙ ПУТЬ ТОЛЬКО НАЧИНАЕТСЯ!!!! СВЕРХ- ПРОДАЖИ, ЛИЧНАЯ ЕЖЕДНЕВНАЯ МОТИВАЦИЯ,МОТИВАЦИЯ КОМАНДЫ, СКОРОСТЬ,НОВЫЕ КЛИЕНТЫ, НОВЫЕ СТРАТЕГИЧЕСКИЕ ЗАДАЧИ, НОВЫЕ СПЕКТАКЛИ!!!!!!!!! А ЛЮДИ ПУСТЬ ПИШУТ!!! МИССИЯ ТАКАЯ— П И С А Т Ь!!!!! ПРИЗВАНИЕ ПО ЖИЗНИ……………….. КЛЯУЗНИЧЕСТВО !!!!!!!!
Эта «компания» уже много лет бепредельничает и наглеет. Самый главный сказал: «мы делаем, что хотим, потому что никогда не развалимся..а вы чо приперлись тогда,.уходите..» Так что вы люди хотите.
Плюсы
Даниель Сваровски – это человек, который сумел привить любовь высшего света к хрустальным кристаллам, имитирующим бриллианты. При этом в отличие от своего предшественника — Жоржа Фредерика Страсса (да, стразы названы так в честь этого человека) — Сваровски никогда не скрывал, что его изделия выполняются из хрусталя, и являются лишь имитацией бриллиантов. Ах, если бы Страсс знал о будущем успехе Сваровски, то наверное и сам не стал бы обманывать людей.
А начиналось все в далекой Северной Богемии
Даниель Сваровски появился на свет 24 октября 1862 года в небольшой деревне Георгенталь, которая находилась в Северной Богемии (тогда принадлежала Австро-Венгрии). Надо сказать, это место было весьма подходящим для рождения будущего мастера по хрусталю, так как Северная Богемия славилась своими мастерами в этом деле. В семье Даниеля тоже занимались обработкой стекла. Его отец был владельцем небольшой мастерской. Семейный бизнес позволял Сваровски существовать, хотя и не баловал их излишней роскошью. Сам Даниель при этом, конечно, помогал отцу (тут он и приобрел все необходимые навыки) по работе, но грезил мальчик о музыке. Он мечтал стать скрипачом.
Со скрипкой, увы, не сложилось. А Даниель отправился в Париж получать образование. Там и произошло важное событие, которое изменило жизнь будущего мастера по хрусталю. Сваровски попал на Всемирную выставку электричества, на которой познакомился с большим количеством современных (на то время) технологий и достижений науки. Больше всего его внимание привлекла возможность использовать электрический ток для шлифования стекла. Все-таки, сказывалось детство, проведенное за этой работой.
Шли годы. Почти через 10 лет после выставки (если быть точнее, то в 1891 году) Сваровски разработал первую в мире машину для электрической шлифовки стекла. Она тут же была запатентована молодым изобретателем. В этот момент Даниель понял, что следует попробовать себя на ниве предпринимательства. Впрочем, возвращаться в свою родную деревушку Сваровски не стал. Возможно, он посчитал, что в ней работает слишком большое количество мастеров, которые могут составить ему конкуренцию. Как бы то ни было, но Даниель отправился в деревушку Ваттенс, располагавшуюся рядом с Тиролем (Австрия). Именно там была основана первая фабрика Swarovski – произошло это в 1895 году.
Изначально у компании было название «D.S. & Co», что означает «Даниель Сваровски и компания». Это по одной версии. Есть и другая, согласно которой компания была основана Даниелем вместе с партнером из Франции, и имя этого партнера шло первым. Возможно, так и было, но подтверждений этому факту не так много.
Итак, с 1895 года компания Сваровски начинает выпуск кристаллов, которые имитируют внешний вид драгоценных камней. При этом, конечно, детища Сваровски отличаются от тех же бриллиантов гораздо более демократичной ценой, за счет которой стразы компании могут позволить себе многие люди.Вскоре после выпуска спрос на стразы Swarovski стал резко расти. Они стали модными аксессуарами. К началу XX века компания была просто завалена заказами и начала называться просто Swarovski. То, что когда-то было подделкой и выпускалось Страссом, в руках Сваровски стало новым модным трендом. Благо Даниель с самого начала не скрывал, что его детища не являются бриллиантами.
Минусы
зри в корень
Плюсы
Даниель Сваровски – это человек, который сумел привить любовь высшего света к хрустальным кристаллам, имитирующим бриллианты. При этом в отличие от своего предшественника — Жоржа Фредерика Страсса (да, стразы названы так в честь этого человека) — Сваровски никогда не скрывал, что его изделия выполняются из хрусталя, и являются лишь имитацией бриллиантов. Ах, если бы Страсс знал о будущем успехе Сваровски, то наверное и сам не стал бы обманывать людей.
А начиналось все в далекой Северной Богемии
Даниель Сваровски появился на свет 24 октября 1862 года в небольшой деревне Георгенталь, которая находилась в Северной Богемии (тогда принадлежала Австро-Венгрии). Надо сказать, это место было весьма подходящим для рождения будущего мастера по хрусталю, так как Северная Богемия славилась своими мастерами в этом деле. В семье Даниеля тоже занимались обработкой стекла. Его отец был владельцем небольшой мастерской. Семейный бизнес позволял Сваровски существовать, хотя и не баловал их излишней роскошью. Сам Даниель при этом, конечно, помогал отцу (тут он и приобрел все необходимые навыки) по работе, но грезил мальчик о музыке. Он мечтал стать скрипачом.
Со скрипкой, увы, не сложилось. А Даниель отправился в Париж получать образование. Там и произошло важное событие, которое изменило жизнь будущего мастера по хрусталю. Сваровски попал на Всемирную выставку электричества, на которой познакомился с большим количеством современных (на то время) технологий и достижений науки. Больше всего его внимание привлекла возможность использовать электрический ток для шлифования стекла. Все-таки, сказывалось детство, проведенное за этой работой.
Шли годы. Почти через 10 лет после выставки (если быть точнее, то в 1891 году) Сваровски разработал первую в мире машину для электрической шлифовки стекла. Она тут же была запатентована молодым изобретателем. В этот момент Даниель понял, что следует попробовать себя на ниве предпринимательства. Впрочем, возвращаться в свою родную деревушку Сваровски не стал. Возможно, он посчитал, что в ней работает слишком большое количество мастеров, которые могут составить ему конкуренцию. Как бы то ни было, но Даниель отправился в деревушку Ваттенс, располагавшуюся рядом с Тиролем (Австрия). Именно там была основана первая фабрика Swarovski – произошло это в 1895 году.
Изначально у компании было название «D.S. & Co», что означает «Даниель Сваровски и компания». Это по одной версии. Есть и другая, согласно которой компания была основана Даниелем вместе с партнером из Франции, и имя этого партнера шло первым. Возможно, так и было, но подтверждений этому факту не так много.
Итак, с 1895 года компания Сваровски начинает выпуск кристаллов, которые имитируют внешний вид драгоценных камней. При этом, конечно, детища Сваровски отличаются от тех же бриллиантов гораздо более демократичной ценой, за счет которой стразы компании могут позволить себе многие люди.Вскоре после выпуска спрос на стразы Swarovski стал резко расти. Они стали модными аксессуарами. К началу XX века компания была просто завалена заказами и начала называться просто Swarovski. То, что когда-то было подделкой и выпускалось Страссом, в руках Сваровски стало новым модным трендом. Благо Даниель с самого начала не скрывал, что его детища не являются бриллиантами.
Минусы
зри в корень
Плюсы
Очень нравится работать в этом компании. Дружный и сплоченный коллектив. По началу может напугать обстановка, но это обманчиво, настоящая творческая обстановка людей, которые реально хотят чего-то достичь в плане карьерного роста. Каждому своё, но думаю, что не стоит доверять отзывам с сайта (тем более незнакомым людям, тем более вы сами не знаете, может быть данные отзывы являются обманом). Сходите на собеседование, а так же пройдите стажировку ) Узнаете, чем действительно занимается компания и пообщайтесь с коллективом, который работает там не первую неделю 🙂 «Не судите, да не судимы будите.»
Минусы
Первое впечатление было не из самых лучших, но в результате стажировки и самой работы мнение о компании изменилось в лучшую сторону ) и конечно же многое познается в сравнение ) так что на сегодняшний момент это одно из лучших мест в котором мне приходилось работать.
Плюсы
Ро?берт То?ру Кийоса?ки (Киёсаки) 8 апреля 1947 года) — американский предприниматель, инвестор, писатель и преподаватель. Наиболее известен по своей книге «Богатый папа, бедный папа». Он является автором 15 книг, которые разошлись в количестве более 26 млн экземпляров[1]. Разработал обучающую настольную игру «Денежный поток 101», предназначенную для освоения финансовых стратегий, и её продолжение «Денежный поток 202».
Минусы
а судьи кто,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,
Плюсы
Никаких
Минусы
Я сегодня тоже была на собеседовании. Шла туда уже с чувством, что тут что-то не так — слишком большая зарплата при том, что опыт не требуется. Описание отзыва полностью совпадает с тем, что я увидела там, и адрес тот же — Ст.Басманная. Собеседование проводил мужчина. Представился, поздоровался за руку — это опять насторожило, обычно так делают, когда очень хотят расположить к себе. Но при такой зарплате это соискатели должны думать, как расположить работодателя.. Пригласил на стажировку. На всякий случай вечером решила поискать информацию в Интернете, и вот нашла.. Получается, в этой компании действительно можно работать и зарабатывать очень большие деньги, но для этого нужно сначала потерять совесть и стать пуленепробиваемым танком-бараном. И называются такие изменения ‘становлением сильной личности’. А всех, кто не хочет расставаться с совестью и человеческими качествами, сотрудники компании договорились считать лентяями.